| 
Se realiza hoy el XVI Certamen Nacional de Danzas Folklore y Tango
Como desde hace 16 años de manera ininterrumpida, el Ballet Eluney, entidad sin fines de lucro de nuestra ciudad, desarrollará hoy el XVI Certamen Nacional de Danzas Folklore y Tango, una actividad que además se da en el marco de los festejos del 125º Aniversario de Campana Será desde las 15hs en las instalaciones de la Escuela Nº 9, ubicada en Berutti 75, donde seguramente se contará con una importante y numerosa participación tanto de competidores como del público. "En esta ocasión la competencia contará con cuatro categorías: infantil, juvenil, mayores y adultos. Calificarán a los diversos participantes un prestigioso jurado con vasta experiencia", expresó el Secretario de Cultura y Educación, Adolfo Tolassi. Quien agregó que "el jurado de Danzas folclóricas estará conformado por Andrea Idalgo (Profesora Nacional de Canto y Danza) y Claudio Isla (Profesor de Ciudad Autónoma de Buenos Aires) quienes evaluarán justeza, coordinación, vestuario, creatividad, postura, coreografía, puesta en escena y música". Según anticiparon los organizadores del evento, ya han confirmado su participación números artistas de Mar del Plata, Entre Ríos, Santa Fé y Córdoba, por lo que se prevé una importante y extensa jornada artística-cultural. La posibilidad que la familia campanense disfrute lo mejor del folclore y el tango, es una realidad. Hoy desde las 15hs en la Escuela Nº 9, en la continuidad del desarrollo de la Agenda Pública, siendo el evento de entrada libre y gratuita. |
|
| 
Llegará a Campana a dictar clases como integrante de un plantel de maestros jamás reunidos Como para que lo conozcan un poco más, podemos decir de Fernando Muñoz que: es Profesor de danzas Folklóricas Argentinas, egresado del Instituto de Arte Nativo Horizonte de Conesa, (1992), es Profesor Nacional Superior de Danzas Nativas y Folklore egresado del Instituto Nacional Superior del Profesorado de Folklore, Buenos Aires (2001), y transita la licenciatura en Diseño de Iluminación para espectáculos dependiente del departamento de Arte Dramático del Instituto Universitario nacional del Arte (I.U.N.A.). Director De la "Compañía federal de danzas" compañía independiente de danzas de capital federal, Director y Coreógrafo del "Conjunto Coreográfico de la Ribera" dependiente de la Dirección General de Educación de la Municipalidad de San Isidro, tiene a su cargo la Dirección Coreográfica de la Agrupación Folklórica "El Tala", Villa María Córdoba y tuvo a su cargo la Dirección Coreográfica de la Academia de Danzas "La Patria" de Vila Mercedes San Luis. Como docente se destaca su labor en la enseñanza universitaria como Profesor Adjunto de la Cátedra "Zapateo para Espectáculo"; Profesor Adjunto de la Cátedra "Zapateo Folklórico Argentino" y profesor de zapateo del Ballet Folklórico de estudiantes del Instituto nacional de Artes del Área Transdepartamental de Folklore del I.U.N.A.. Ha obtenido premios como: 1º Premio "Solista Malambo Sureño" en el VII Encuentro Folklórico de la Sierra (Tandil 1991). 1º premio "Solista de danza Sureño" en el Pre Cosquín de plata (Córdoba 1996), Campeón Provincial de Malambo en el festival "De Bahía Blanca a Laborde" (2000), Subcampeón Nacional de Malambo en la 34º Edición del "Festival Nacional del Malambo" Laborde Córdoba (2001) y así continúa un rico currículo que lo posiciona como un referente en la danza folklórica y el malambo, materia por la cual llegará a nuestra ciudad integrando una jamás reunida nómina de personalidades de nuestro folklore en el "4º Encuentro con los grandes Maestros de las danzas Folklóricas Argentinas" que se desarrollará del 2 al 5 de septiembre en distintas locaciones de Campana con un nutrido e interesante programa de capacitación, muestras y espectáculos; y por tal motivo mantuvimos una breve charla con el maestro Fernando Muñoz. ¿Como le llega su convocatoria a este evento? Fui convocado por Rafael Tapia y Estela Ayerbe. A ellos ya los conozco desde hace mucho tiempo de los distintos festivales competitivos en los cuáles han participado, o de los que han organizado, y he sido invitado a participar. ¿Es su primera participación? No, tengo la suerte haber sido convocado en todas las ediciones del Encuentro de Maestros, realmente es algo que me pone muy contento. 
Fernando Muñoz dictará clases sobre malambo Sureño. ¿Cómo desarrollará su participación en la edición 2010? En esta edición voy a dar, como es habitual, un Taller de Malambo Sureño. Este año tengo la idea de orientar el taller hacia el malambo sureño de conjunto y las distintas posibilidades coreográficas que este ofrece, tratando de cuidar la estructura y la esencia de la danza. ¿Qué le parece la idea de que el "Encuentro" deje la capital federal para llegar a una ciudad como Campana? En lo particular me pareció muy buena idea, es una forma de crear dentro de la danza folklórica nuevos ámbitos y puntos de encuentro, es buscar nuevos espacios en donde poder experimentar el intercambio cultural que un evento de estas características te ofrece. ¿Cuál es el principal valor o aporte que ve en esta realización? Creo que el principal aporte es poder intercambiar y relacionarse con bailarines y profesores de distintos puntos del país, los cuáles traen distintos bagajes de conocimiento, permitiendo el intercambio directo de distintas experiencias. En segunda instancia, es poder tener un puente de conexión entre los antiguos maestros y los que están comenzando con el oficio, teniendo de esta manera un panorama más amplio del desarrollo de las danzas folklóricas argentinas, para lograr así un criterio propio y fundamentado del patrimonio cultural que poseemos. ¿Cómo ve la fusión que se da entre los "maestros" que provienen de los escenarios y los académicos? Me parece muy importante, todos tienen para aportar puntos y características fundamentales de los ámbitos en los que se formaron y en los cuales ejercen su profesión. Hay diferencias muy puntuales entre unos y otros que los bailarines o actuales docentes deben saber conjugar en pro de obtener buenos resultados en sus propuestas artísticas. ¿Y la integración de los ya consagrados y reconocidos y las nuevas generaciones de maestros? Con el correr del tiempo las danzas folklóricas fueron pasando por diferentes grados de evolución, por diferentes modas, por diferentes formatos de espectáculo; el poder confrontar las viejas y las nuevas generaciones de maestros es permitir y ofrecer a los bailarines y docentes un mayor abanico de posibilidades, es aportar al conocimiento y al entendimiento de la danza folklórica no solo como fenómeno cultural que evoluciona, sino también como un hecho artístico capaz de competir con el resto de las manifestaciones escénicas que se producen a nivel mundial. ¿Cómo definiría a Santiago Ayala "El Chúcaro" principal inspirador de este encuentro? Es un icono, un símbolo, un modelo a seguir. Ha sido y será una de las personalidades más importantes de nuestra cultura folklórica a nivel mundial. Por último, ¿Qué le diría al público en general y a los interesados en participar del encuentro? Este es un evento que nadie debería perderse por todo lo que representa, todos deberíamos participar de este con el objetivo de que llegue a ser un Encuentro muy reconocido a nivel nacional. No sé si debería decirlo pero hoy a nivel gubernamental y periodístico se le da apoyo a cuestiones y actividades que no hacen más que desdibujar la matriz cultural que nos pertenece como pueblo independiente. Sin duda alguna este 4º Encuentro con los Grandes Maestros de las danzas Folklóricas al que convoca "Omar Ocampo", traerá momentos de alto nivel artístico y de gran riqueza de aprendizaje que los campaneases y la zona de influencia podrán disfrutar en 4 días a puro folklore. Informes(02322)430890,(011)15-44150320,(03489)468091/15-452842. www.encuentrodemaestros.com.ar |
|
| 
La celebración será a través de cursos y la presentación de la coreografía "La Llorona en el tiempo"
Estos serán impartidos por Margarita Sanz y permitirán motivar al estudiantado que llegue de provincia
México,- La coreógrafa, bailarina y maestra Emma Pulido, pionera de la danza-jazz en México, iniciará la celebración por los 35 años de la fundación de su Estudio de Danza, a través de cursos y la presentación de la coreografía “La Llorona en el tiempo”. En conferencia de prensa, Pulido, quien recibió el Premio “Guillermina Bravo” por su destacada trayectoria en el marco del Festival Internacional de Danza Lila López en 2006, comentó que este año se llevarán a cabo cursos a nivel nacional, lo que permitirá motivar al estudiantado que llegue de provincia. “Es muy importante que el bailarín conozca otras disciplinas para completar su desarrollo profesional, por tal razón se impartirá un curso sobre la interpretación emotiva que será impartido por la actriz Margarita Sanz”, comentó la coreógrafa. Destacó que los cursos son trascendentales para que el bailarín pueda plasmar sus emociones como técnica clásica, danza-jazz en varios estilos, bailes populares, urbanos y comedia musical, “todo un sinnúmero de bailes para nutrir y motivar a maestros y alumnos de provincia y de esta capital”, dijo, los cuales se impartirán del 26 al 30 de julio. Respecto a la obra “Llorona en el tiempo”, espectáculo coreográfico, Pulido comentó que aún no tiene una fecha confirmada para presentarla, pero lo más probable es que sea a partir de septiembre, para celebrar el Bicentenario de la Independencia y el Centenario de la Revolución Mexicana. La también acreedora a la medalla y diploma “Una vida dedicada a la danza”, otorgada por el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes en 1996, explicó que la obra cuenta con la participación de unos 60 bailarines, misma que está conformada por cuatro etapas: “Raíces”, “Conquista”, “Fantasma” y “Llorona cincuentona”. “Es un espectáculo que nació dentro de mí y refleja el gran amor que siento por mi país, a través de un vasto paisaje de bailes, sonidos y colores, en los cuales he encontrado un motor que me inspira y provoca para continuar en este hermoso arte que es la danza”, expresó Emma Pulido. También dijo que la coreografía está acompañada por un grupo de jóvenes coreógrafos, talentosos bailarines y maestros, que han creado un espectáculo lleno de danza, pasión y excitación, donde el personaje de la Llorona ha sido el estímulo para crear danza y conmemorar el transitar de México. Emma Pulido nació en Poza Rica, Veracruz, y bailó desde pequeña gran diversidad de ritmos como los sones jarochos, con las flautas de los Totonacas. Impulsada por el gusto hacia la danza y música mexicana, estudió durante varios años en Veracruz y Puebla, y posteriormente formó parte de la primera Compañía de Ballet Folclórico de México, dirigido por Amalia Hernández. |
|
| 
Camagüey,- Pocos días después de conocerse el fallo del jurado del II Concurso Internacional de Ballet de Cape Town, Sudáfrica, a favor de Oscar Valdés, integrante del Ballet de Camagüey, la compañía inició aquí su temporada de verano. La significación de la medalla de oro en la categoría profesional, conquistada por el recién egresado en nivel medio de la Academia de las Artes Vicentina de la Torre, en esta ciudad, ha sido una de las inspiraciones y del buen nivel de las dos funciones ofrecidas hasta el momento en el Teatro Principal. “Me llena de regocijo que se alce con ese premio alguien que sólo lleva alrededor de ocho meses con nosotros, si contamos desde sus prácticas pre-profesionales, declaró Rafael Saladrigas, regisseur principal. La escuela cubana ha ganado gran prestigio internacional y últimamente están saliendo de ella muy buenos bailarines”. El Ballet de Camagüey, dirigido por Regina María Balaguer, ofrecerá hasta mañana el programa concebido con las reposiciones del pas de deux Cisne Negro sobre la coreografía original de Lev Ivanov; El bailarín y la dama, de Osvaldo Beiro; el Gran Pas de Paquita, según el montaje de Elena Vinogradova; y Vivaldiana, del camagüeyano José Antonio Chávez, personalidad a quien se dedica el espectáculo por sus 40 años de vida artística. “La compañía mantiene las características fundacionales: seguir haciendo los grandes clásicos –no por gusto es la segunda de ballet clásico de Cuba— y mantenerse abierta a otras tendencias”, agregó el maitre Saladrigas. Al terminar la temporada el colectivo tomará vacaciones luego de un período en el que sobresalió en la gira por la provincia de Granma, para entonces terminar, a partir de septiembre, el montaje de El Lago de los Cisnes, un viejo sueño con el que saludará el aniversario 43 de su fundación por obra de Fernando Alonso, una leyenda viva de la danza mundial. |
|
| 
El Ballet Trockadero de Montecarlo vuelve a Chile con su espectáculo único y deslumbrante, con energía imparable y humor contagioso, para presentarse los días 2, 3 y 4 de septiembre en el Teatro Nescafé de las Artes.
La compañía, con sus característicos bailarines travestidos, presentará cuatro cuadros de su gran repertorio, mezclando su extravagante e increíble virtuosismo con justas dosis de humor. El Ballet Trockadero de Montecarlo es una de las compañías más exitosas y comprometidas del ballet clásico y actual. Con 36 años de trayectoria, se ha presentado en festivales de danza en Madrid, Montreal, Nueva York, París, Turín y Viena, además de realizar múltiples giras por Estados Unidos, Latinoamérica, Sudáfrica, Europa, Canadá, Rusia y Japón, que lo convierten en un fenómeno mundial. Los Trocks, como son llamados, exponen su amor por la danza a través de la parodia y el humor fino. Son 14 hombres que logran el desafío físico de mantener el equilibrio en punta de pies, con tutús de raso, emulando cisnes, princesas románticas y atormentadas damas victorianas. El objetivo: ennoblecer -y no ridiculizar- el espíritu de la danza a través de un exigente y perfecto dominio de los movimientos, los cuales, intencionalmente, se desvirtúan con tropezones, disputas y gestos descarados. Son un contrapunto a la precisión del ballet para revelar de paso el divismo que surge entre las bailarinas. Las presentaciones están programadas para el mes de septiembre, los días jueves 2 y viernes 3 a las 20:30 horas y sábado 4 a las 16:00 y 21:00 horas. |
|
| 
Cape Town, Suráfrica, El bailarín cubano Oscar Valdés conquistó aquí la medalla de oro de la categoría profesional, en el recién concluido concurso internacional de ballet, con su brillante interpretación de la variación de Don Quijote en la ronda final.
Joven promesa del Ballet de Camagüey, segunda agrupación en importancia en su país, Valdés impuso su calidad dejando atrás a los cuatro finalistas restantes, mientras su coterráneo Víctor Estévez, alumno de la Escuela Nacional de Ballet de la isla, obtuvo segundo lugar en la categoría juvenil.
Ellos fue algo inusual en esta especialidad, en la cual solo se elige un primer lugar, que en esta ocasión correspondió al surafricano Thoriso Magongwa.
En el apartado clásico, la presea principal fue para el norteamericano Nathan Chaney, mientras las medallas de plata y bronce las merecieron la canadiense Alys Shee y la surcoreana Jeon Yeo Jim.
Artistas de siete países, entre ellos Canada, Estados Unidos, Italia, Australia y Suráfrica compitieron en la segunda edición del certamen de Cape Town.
En su discurso de clausura, el director del concurso, Dirk Badenhorst, expresó su agradecimiento a la delegación cubana -integrada por cinco bailarines, dos maitres y un miembro del jurado-, por el desarrollo alcanzado en la danza y el alto nivel de su sistema de enseñanza artística. |
|
| 
"Tratemos de recuperar imaginariamente ese fragmento de nuestra infancia, o de aglutinar en él la suma de múltiples experiencias dispersas en el tiempo y en el espacio, sutilmente vinculadas por el hilo de la emoción lúdica."
Domingo 1º de Agosto en el Teatro Centro Cultural Provincial de la ciudad de Santa Fe, Argentina 20:30 hs.
Localidades ($20) en venta en la boletería del Centro Cultural.
FLUXUS
Compañía de Danza Jazz Contemporáneo
Esta dirección electrónica esta protegida contra spambots. Es necesario activar Javascript para visualizarla
www.fluxusweb.com.ar |
|
| 
El Festival acogerá el X Desfile de Moda Calada en la plaza de la Candelaria el 1 de agosto
ALBERTO GARCÍA SALEH
El XV Festival Internacional de Folclore Villa de Ingenio recibirá las propuestas de 12 formaciones de cinco países diferentes del 26 de julio al 1 de agosto con la inclusión de actuaciones por diferentes municipios de Gran Canarias.
Las participaciones internacionales estarán formadas por El Gran Ballet Folclórico de Panamá, el Grupo Folclórico de México Alianza, el Ballet Folclórico de la Amazonia y La Magia del Pacífico Hawaiano. En cuanto a las nacionales, el festival acogerá al Grupo de Coros y Danzas San Antón de Murcia, el grupo Folklórico Aires de Ronda de Toledo y al Grupo de Danzas San Rafael y Acaria de Córdoba. Finalmente, como locales estarán Coros y Danzas de Ingenio, Los Artesanos, Guayadeque, Las Mahoreras, Antiguos Coros y Danzas y Tacoremi.
Este año, el festival acogerá unas jornadas etnográficas sobre los juegos y danzas tradicionales; la exposición fotográfica Imágenes del Festival 1996-2009 y el X Desfile Moda Calada 2010, en la plaza de la Candelaria el 1 de agosto, a las 21.00 horas, y que cuenta con diseñadores como Cristóbal Vidal o Nieves Barroso. El Festival tiene un presupuesto de 80.000 euros y este año la novedad es una misa internacional con todos los grupos en la iglesia de la Candelaria.
Aparte de la ayuda institucional o empresarial, "este año se han vendido 8.000 boletos entre los vecinos de Ingenio para abaratar los costos del festival", aseguró el director David Castellano, durante la presentación.
El alcalde de Ingenio, Juan Díaz Sánchez, señaló, por su parte: "Nuestro objetivo es que el municipio sea conocido por el festival". El consejero de Turismo, Innovación Tecnológica y Comercio Exterior del Cabildo grancanario, Roberto Moreno, añadió que este festival ya es un referente cultural de Gran Canaria, mientras que la concejala de Artesanía, Catalina Sánchez, destacó que "todos los diseñadores se han quedado impresionados por la calidad del calado grancanario". |
|
| 
Eventos multidisciplinarios se apoderan del parque de Flushing este verano
Nueva York — Manifestaciones culturales del mundo latino provenientes de América Latina y Estados Unidos, se reunirán en el 14o. aniversario del Festival Cultural Latino Chase del 29 al 8 de agosto del 2010.
Artistas de Argentina, Chile, Colombia, Cuba, Ecuador, Estados Unidos, Guatemala, México, Perú, Puerto Rico y Venezuela, serán los encargados de marcar el ritmo durante los nueve días que dura esta celebración multidisciplinaria.
La danza contemporánea, tango, salsa, cine, cantos afroperuanos, folclor colombiano, rock, poesía y comedia, formarán parte de los 13 eventos que ofrecerá este teatro ubicado en el Parque de Flushing, Queens.
Entre las nuevas atracciones se encuentra “Contra-Tiempo”, compañía de danza proveniente de la ciudad de Los Ángeles que fusiona la salsa, hip-hop, ritmos afrocubanos y de Africa Occidental con el teatro abstracto.
“Siendo el único festival latino multidisciplinario de la ciudad de Nueva York, buscamos representar en poco más de una semana, la diversidad de las cultura latina”, indicó a través de un comunicado Claudia Norman, directora artística del festival.
Norman agregó: “pienso que es importante reunir a los artistas que visitan Estados Unidos con los que residen en el país para exponer a las audiencias al pasado, presente y futuro de las culturas representadas en cada espectáculo en vivo”.
Para esta edición, voces contemporáneas se podrán apreciar en una pieza interpretada por la Compañía de Danza Alejandro Cáceres de Chile.
Las corrientes artísticas tradicionales como el tango, la milonga, la danza urbana y la comedia, se podrán deleitar a través de los grupos “Los Chantas Tango Quartet” de Nueva York, “Tango y vida” de Argentina, “America... nos” (Ecuador, Perú y Colombia) y el espectáculo estilo “Open Mic” con Bonafide Rojas, representando la Gran Manzana.
Otros invitados que formarán parte del festival son León Gieco, el reconocido cantautor argentino, autor del famoso tema “Solo le pido a Dios”; Carlos Varela, que ofrecerá un repertorio de canciones urbanas, verdaderas crónicas representativas de la novísima nueva trova cubana.
Asimismo Jorge Velosa, cantante y creador de un nuevo género tradicional en la música colombiana: la carranga. Y Susana Baca que con su particular interpretación del festejo dio una nueva vida a la música afroperuana a nivel internacional. |
|
| Abrió este Festival de la crisis con Lluvia , producción imprevista de flamenco donde el trámite zapatea como remedio al caos y a la incapacidad de un Festival de más de 3 millones de euros (¿dónde está la crisis?) cargado oscuramente de bolos que menoscaban su personalidad --solo dispone de una producción original: Lisítrata --. Un Festival cuyo objetivo se centra en la consolidación de la identidad grecolatina, según palabras perseverantes de su director, que tiene la gran contradicción de inaugurarse con este tablao de flamenco con calzador y de clausurar con una obra de Moliere El avaro
Lluvia es el primer bolo de la serie. Se estrenó en febrero de 2009 año en el XIII Festival de Jerez de la Frontera, habiendo recorrido después otros lugares. Sustituye a otro bolo, malogrado a última hora: Medea , espectáculo griego de danza contemporánea, que data de 1993 (tuve la ocasión de verlo en su reposición de 1998, en la Expo de Lisboa). Tales pormenores explican el desfase actual de este Festival que sigue alardeando neciamente de ser el mejor del mundo en su modalidad.
Lluvia de la bailarina y coreógrafa Eva Yerbabuena es, ante todo, un género abierto de baile moderno español que mezcla dos discursos interpretativos visiblemente diferenciados: la danza contemporánea y el baile flamenco comercial de siempre, pero que en el contexto del Festival aunque se puedan ver y apreciar sin ningún contenido grecolatino resultan una cataplasma sobre el escenario romano.
El espectáculo se nota que está concebido para espacios más reducidos, pues se trata de un ejercicio de introversión en donde la artista --con sufrido deseo de introducir un mensaje-- se adentra en un estado anímico pesimista de desamor e incomunicación que inunda la propuesta estética, tratada según ese sentido del ritmo arraigado en el vigoroso lenguaje de la expresión corporal, la pantomima, la danza, la música, la poesía y el cante y baile flamenco. La Yerbabuena realiza un trabajo valioso aunque no lo logra de pleno, y menos en esta función precipitada donde deja muchos cabos sueltos en el inmenso espacio (el sonido es deficiente y la oscura luminotecnia esta mal diseñada, sobre todo es nefasta para los espectadores de la cavea media). No obstante, la mayoría de las veces lo maneja con soltura integrando cada componente artístico y consigue la sobriedad necesaria y atmósfera expresiva de ese mundo de dolor con excelentes instantes de plasticidad total en el conjunto.
La primera parte es de danza contemporánea adaptada al flamenco con un planteamiento riguroso y estructurado de la obra del que tampoco se saca el máximo de sus posibilidades. En sus elucubraciones hay una recurrente plasticidad (ya superada por otros seguidores españoles de la coreógrafa alemana Pina Baush) y desnatado disfrute de la belleza corporal que tendría otro valor si hubiera un sustrato argumental más interesante y claro (el titulo sólo queda como metáfora inexplicable de sentimientos). Ahora bien, toda esta trillada significación dramática de danza depresiva y plana cambia en la segunda parte cuando la artista remedia la pena sacando de un baúl sus mejores recuerdos de bailaora y compone el tradicional tablao flamenco donde las coreografías se crecen con unos cantaores y bailaores que saben llenar el espacio y colmarlo de armonía. La música y el cante tratados en casi todos los palos del flamenco es exquisito y en los bailaores no hay un solo músculo que no exprese los sentimientos y variaciones íntimas.
Lo mejor de Eva Yerbabuena en esta segunda parte son sus virtudes interpretativas de bailaora, sola o con la réplica emocionada y emocionante del cuerpo de baile --y resto del elenco-- derrochando toda su prodigiosa energía, por donde se manifiesta sin descifrar ese duende o espíritu de sus raíces granadinas. |
|
| 
"Viva Nebrada en la Calle" reunirá a bailarines, compañías y artistas de distintas corrientes
Cada dos años se realiza en Venezuela el "Festival Nebrada", un homenaje a Vicente Nebrada, considerado nuestro más prolífico coreógrafo, visionario, creador y pionero en el arte de la coreografía. Nebrada nació en Caracas e inició su carrera como bailarín en el Ballet Nacional de Venezuela. Siendo muy joven, recibió una invitación de Alicia Alonso para ir a Cuba, a incorporarse a su compañía.
En esta edición, el festival tiene una ambiciosa agenda con actividades concebidas para lograr el contacto con los caminantes de la ciudad. "Viva Nebrada en la Calle" reunirá a bailarines, compañías y artistas de distintas corrientes en escenas que interactuarán con la gente en cada rincón de la ciudad. En el marco de las actividades del festival se proyectan tres películas que tienen que ver con la danza: West Side Story, Flashdance y Billy Elliot.
Billy Elliot es una obligatoria película que logra mezclar con destreza dos mundos que tienen muy poco en común: el boxeo y el ballet. Durante una huelga de mineros en el condado de Durham, en el norte de Inglaterra, los choques entre piquetes y policía están a la orden del día. Entre los que protestan con más vehemencia se encuentran Tony y su padre. Este último se ha empeñado en que su otro hijo más pequeño, Billy, de 11 años reciba clases de boxeo.
Un día, en el gimnasio, Billy se fija en una clase de ballet y descubre su verdadera vocación, en un pueblo en donde no hay nada menos indicado que dedicarse al ballet siendo hijo de un minero, y en 1984, cuando el Sindicato de Mineros estuvo un año entero en huelga contra el gobierno de Margaret Thatcher. |
|
| 
El American Ballet Theatre actuará en Cuba en la edición 22 del Festival Internacional de Ballet de La Habana, que tendrá lugar del 28 de octubre al 7 de noviembre próximos, informaron hoy los organizadores del evento.
La presentación de la compañía estadounidense, que no actúa en la isla desde 1960, ha sido anunciada como uno de los momentos de "especial significación" dentro del programa del festival, según una nota de prensa del Ballet Nacional de Cuba (BNC).
El viaje a La Habana del American Ballet Theatre (ABT) y de un grupo de figuras del New York City Ballet (antiguo Ballet Caravan), coincide con las celebraciones por el 90 cumpleaños en diciembre de la bailarina y coreógrafa cubana Alicia Alonso, presidenta del festival y directora del BNC.
Hace un mes el ABT dedicó en Nueva York una gala en homenaje a los 90 años de la Alonso, quien actuó con esa compañía entre 1941 y 1948, y dentro de ella debutó en el papel de "Giselle", considerado la cumbre de sus interpretaciones.
El Festival de La Habana también reunirá a "estrellas" del Royal Ballet de Londres, el English National Ballet, la Scala de Milán y el Ballet del Teatro Colón, entre otras compañías.
Está previsto que se realicen galas dedicadas a los centenarios de la bailarina rusa Galina Ulanova y del escritor cubano José Lezama Lima, así como un homenaje al bailarín y ex director artístico del Bolshói, Vladímir Vasíliev.
Entre los estrenos, se ha anunciado la obra "Muerte de Narciso", con coreografía de Alicia Alonso, y una versión clásica de "El amor brujo", a cargo del bailaor español Antonio Ríos "El Pipa".
|
|
| Lunes 05 de Julio de 2010 06:27 |
 |
 |
|
| La visita del ballet sueco
|
| 
Mozarteum Argentino Como parte de su nueva temporada, trajo al conjunto creado por Madeleine Onne, en 1997.
Por algún motivo difícil de desentrañar, la ciudad de Buenos Aires dejó de ser, hace ya mucho tiempo, un punto geográfico que las compañías de danza internacionales tengan en cuenta para sus giras. La situación, curiosamente, se contrapone a lo que ocurre con países tan cercanos al nuestro como Brasil y Chile. De este modo, es siempre bienvenida una visita de afuera y que traiga por añadidura obras del repertorio contemporáneo.
El Stockholm 59º North -que hizo en estos días dos funciones en Buenos Aires dentro del marco de la temporada del Mozarteum Argentino- es un conjunto de doce bailarines creado por la bailarina Madeleine Onne, en 1997, con integrantes del tradicional Ballet Real de Suecia. Su objetivo fue constituir un repertorio actual con obras de coreógrafos jóvenes, pero también con los aportes de figuras tan decisivas en el panorama de la danza de estos tiempos como el estadounidense William Forsythe y el sueco Mats Ek. Dos piezas de este último fueron incluidas en el programa que el Stockholm 59º North presentó en el Teatro Coliseo y son ellas las que sostuvieron primordialmente el interés de la función. La primera, Pas de Danse (juego de palabras que puede entenderse al mismo tiempo como “paso de danza” y “nada de danza”), es un delicioso cuarteto de equívocos amorosos sobre una música que evoca la rústica sonoridad de un probable folclore nórdico. La segunda, Apartment , es un dúo (al parecer, es sólo una parte de una obra extensa) marcado por el ácido humor del genial Mats Ek y por su estilo único, hecho de pequeños acontecimientos imprevisibles, libertad, desenfado y bello rigor compositivo.
El programa había abierto con una obra de Birgit Cullberg (1908-1999), figura central de la danza sueca y madre de Mats Ek. Su Pulcinella y Pimpinella data de 1982, y lo que se presentó aquí seguramente también forma parte de una obra más amplia, quizás destinada -por su expresa ingenuidad- a un público infantil. Los estupendos bailarines de esta compañía sueca interpretaron dos obras un poco aparatosas en su propuesta expresiva, pero no demasiado interesantes desde el punto de vista coreográfico. Ellas fueron Cantus In Memory of The Dancing Queen , de Giovanny Bucchieri, y Tactile Affinity , de Pontus Lidberg. |
|
| 
El Ballet Imperial Ruso vuelve a poner a los madrileños en pie. La compañía de danza ha elegido de nuevo como escenario el Teatro Compac Gran Vía de Madrid para presentar varios espectáculos de danza clásica bajo la dirección artística de Gediminas Taranda. No ha faltado en el repertorio para el público español El lago de los cisnes, el más aclamado de todos sus ballets clásicos, que inauguró ayer el programa y permanecerá en cartel hasta el próximo 11 de julio. El elenco de 45 bailarines representará a continuación Sherezade, del 13 al 18 de julio; Chopiniana, del 13 al 25 de julio; Bolero, del 13 de julio al 1 de agosto; Carmina Burana, del 20 de julio al 1 de agosto, y La noche de Walpurgis, del 27 de julio al 1 de agosto. Por un verano en alas de la danza. |
|
| 
La presidenta de la Comunidad de Madrid, Esperanza Aguirre, acompañada por el vicepresidente, consejero de Cultura y Deporte, Ignacio González, entregó hoy las distinciones a la Excelencia Europea que concede la Comunidad de Madrid.
Estos galardones, de los que este año se cumple la décima edición, buscan reconocer a aquellas personalidades, entidades y empresas que han trabajado especialmente en favor de la integración en la Unión Europea, así como de sus valores. Este año, la presidenta regional condecoró, entre otros, al Ballet de Víctor Ullate, el arquitecto,Antonio Lamela Martínez, así como diversas empresas, grupos de negocios...
El acto finalizó con la intervención del coro de voces blancas de la Comunidad de Madrid, que interpretó tres canciones, entre ellas, el Himno de la Unión Europea. |
|
| Domingo 13 de Junio de 2010 10:17 |
|
|
|
| El ballet, víctima de prejuicios
|
| 
Aunque se ha contemplado al ballet, y en general a la danza, como disciplina en la que se deben iniciar sólo las niñas, expertos coinciden en que es momento de dejar atrás viejos tabúes y acercar a los niños a este género. Monterrey, NL.- Aunque el ballet clásico y la danza en general se han colocado en el gusto del público regiomontano, cuando llega el momento de que algún varoncito plantea sus deseos de dedicarse a la danza, los prejuicios se hacen presentes y ponen de manifiesto su arraigo en la sociedad, coinciden expertos en danza consultados por MILENIO. El ballet clásico es asociado comúnmente con mujeres, sin embargo los hombres también juegan un papel muy importante. Los clásicos leotardos rosas y zapatillas del mismo color son quizás la vestimenta con las que la sociedad identifica esta disciplina, por lo que diversas culturas ven extraño la inclusión del sexo masculino en este género. Luis Serrano, director del Ballet de Monterrey (BDM), dijo que no es que los hombres se vean excluidos, sino que en esta ciudad, como en otras tantas, los padres de familia tienen el concepto de que los jóvenes bailarines tienen preferencias sexuales distintas a lo heterosexual, por lo cual manifiestan temor de que sus hijos sean parte de una compañía de baile. “El ser bailarín no te va a hacer cambiar tu orientación sexual, esa es una de las cosas fundamentales por las que creo que muchos niños no empiezan a temprana edad en el ballet”, explicó Serrano. En países como Cuba, la edad promedio es de 9 años para que un menor inicie su preparación en el ballet, mientras que en Monterrey es entre los 18 y 20 años cuando los jóvenes interesados en esta disciplina buscan, muchos por su cuenta propia, desarrollar sus aptitudes dancísticas. Serrano, quien también trabajó en el Ballet Nacional de Cuba, además de reconocidas escuelas de danza en Estados Unidos, mencionó que en el BDM desgraciadamente hasta ahora no hay varones mexicanos en sus filas, pues los bailarines hombres son en su mayoría extranjeros. “No es que nosotros no tengamos las puertas abiertas para los hombres, al contrario, a mí me encantaría tener un primer bailarín mexicano”, sostuvo. A nivel mundial, fue en Rusia donde el ballet para hombre empezó a resurgir después de una fuerte crisis artística en el mundo masculino. Coreógrafos rusos reconocidos como Marius Petipa impregnaron un toque de magia en piezas clásicas como La Bella Durmiente y El lago de los cisnes. Aurora Buensuceso, directora de la compañía de danza contemporánea Teoría de Gravedad, coincide con Serrano acerca de que las familias piensan que la danza no se creó para el sexo masculino, y es por eso que deciden encaminar a los niños hacia otras disciplinas que en la sociedad son aceptadas para varones, como el futbol. “El varón está como predestinado a ser la pareja de la bailarina, a diferencia de un bailarín contemporáneo que sí puede ver más en sus posibilidades, pero sí siento (en el caso del ballet clásico) que se proyecta más la figura femenina que la masculina”, expuso coreógrafa. Erasmo Pineda, quien es el solista principal en el Ballet de Monterrey, dijo que esta carrera es muy satisfactoria, pero también conlleva obstáculos, ya que un bailarín siempre está en busca de perfeccionar sus técnicas. “Creo que mentiría si dijera que todo ha sido satisfactorio, pues en esta carrera la inconformidad predomina, nunca estás satisfecho con lo que has logrado pues siempre crees que puedes hacer más, aún así, como humano creo que he experimentado un crecimiento que tal vez de haberme entregado a otra carrera no hubiera conocido”, aseguró el artista. Pineda inició su carrera a los 16 años en el BDM posteriormente cursó la carrera de Ejecutante de Danza en la Escuela Superior de Música y Danza de Monterrey. Recibió una beca parte de The Kirow Academy of Ballet, en Washington, para continuar con sus estudios. Actualmente, Erasmo Pineda busca perfeccionar el área en donde más se desenvuelve, los clásicos, aunque también le gustaría experimentar piezas más modernas. El bailarín reflexiona sobre los prejuicios en torno a la incursión de los hombres en el ballet: “Creo que este mundo ha evolucionado en muchos aspectos y que la sociedad ha tenido y seguirá teniendo que evolucionar con ellos. En este milenio ya no hay por qué temer a lo que uno quiere hacer, porque si así fuese, uno mismo sería el gran perdedor”, puntualizó. Fuente Milenio |
|
| 
Moscú, 9 jun.- La ex prima bailarina del Bolshói Marina Semiónova falleció hoy a los 102 años en su casa en Moscú, informó el director general del emblemático teatro ruso, Anatoli Ixánov.
"Se ha ido una leyenda con la que se relacionan las mejores páginas de la historia del Bolshói. El teatro y todo el ballet ruso está de duelo", dijo Ixánov en declaraciones a la agencia RIA-Nóvosti.
Según el director general, "Marina Timoféyevna Semiónova fue fiel al teatro Bolshói hasta el último minuto. Primero brilló como prima bailarina y después fue una pedagoga sabia y absolutamente imprescindible".
"Todos nosotros, sus alumnos, nos llamamos a nosotros mismos 'el regimiento de Semiónova'. Para mí, Marina Timoféyevna fue no sólo una profesora, sino también una segunda madre, ya que perdí a mis padres muy joven. Ella se preocupó por mi, me alimentó, me dedicó mucho tiempo", explicó Nikolái Tsiskaridze, primer bailarín del Bolshói.
Agregó que para todos los que la conocían y querían "su pérdida es una tragedia" y subrayó que "pocos han logrado vivir una vida tan larga, brillante, bonita y tan digna".
Para el ex primer bailarín del Bolshói y pedagogo Mijaíl Lavrovski, "se fue una gran bailarina, el paradigma de la 'bailarina clásica'".
Agregó que "Marina Timoféyevna seguirá viva en sus alumnos y alumnas, pero su pérdida es irreparable, porque se fue no sólo una bailarina genial, sino también una personalidad extraordinaria, la quintaesencia del verdadero ballet ruso".
Semiónova nació el 30 de mayo de 1908 en San Petersburgo, donde en 1925 se graduó en el Instituto Coreográfico, tras lo cual entró a formar parte de la compañía del legendario Teatro Académico Estatal de Ópera y Ballet, el actual Mariínski.
En 1930 ingresó en el teatro Bolshói, donde brilló en las puestas en escena clásicas como "El lago de los cisnes", "La Bayadera" y "Raimonda", y desempeñó un papel principal en la consolidación del ballet clásico de los años posrevolucionarios.
Además, fue la primera bailarina soviética que triunfó en los escenarios occidentales en los años 30 del siglo pasado y, según los expertos, su maestría fue un modelo a seguir para varias generaciones de bailarines.
En 1953 comenzó a impartir clases en el Bolshói, donde formó a grandes talentos como Maya Plisétkaya y Natalia Bessmértnova, y preparó asimismo a futuros pedagogos en la que hoy es la Academia Estatal de Coreografía de Moscú.
Entre sus numerosos galardones figura en 2003 el Benois de la Danse, conocido también como el Óscar de la danza, por su trayectoria profesional. Fuente ABC |
|
| 
Nuevo horizonte Como su director artístico, quiere convertir al Ballet Nacional de Uruguay en una compañía que sobresalga en el mundo
Inquieto como todos los que llevan la danza en la sangre, el prestigioso bailarín argentino Julio Bocca apenas soportó tres años de descanso, desde que anunció su retiro, y regresa al mundo de la danza con un nuevo reto: el de director artístico del Ballet Nacional de Uruguay.
Quien fuera considerado uno de los mejores bailarines de todos los tiempos asumió ese cargo el 1.° de junio y ya anunció que planea que esta sea una compañía capaz de presentarse en los mejores escenarios del mundo. Si esta meta se cumple, los especialistas en danza aseguran que el bailarín lograría una nueva revolución en la danza latinoamericana. Para esto, el artista realizó una minuciosa selección de bailarines y contará además con la colaboración de destacados artistas para desarrollar sus montajes. Aunque no se detalló los nombres de los involucrados, sí se supo que el elenco contará con la participación de 35 hombres y mujeres de entre 17 y 27 años de países como México, Brasil, Paraguay, Argentina, Chile y Uruguay. Bocca realizó la selección personalmente luego de revisar los currículos de 97 bailarines de todo el mundo y de allí sacó la selección. Con ellos, Bocca planea montar un repertorio que incluirá clásicos, como Giselle, de Jules Perrot y Jean Coralli, y El lago de los cisnes, de Marius Petipa y de Lev Ivanov, así como coreografías contemporáneas. Compañía. Para conquistar estas metas lo acompañará en el proceso Willie Burman, exsolista y primer bailarín del ballet de Stuttgart (Alemania) y del New York City Ballet (Estados Unidos). Este alemán, quien fue maestro de Bocca, lo ayudará a unificar los procesos de enseñanza que quiere implementar en Uruguay. Además contará con la colaboración de importantes artistas, como la bailarina Sara Nieto, el coreógrafo Yanis Pikieris y el actual director de la Compañía Nacional de Danza de España, Nacho Duato. También trabajará con la renombrada agrupación de teatro La Fura dels Baus. “Muchas de las cosas que se están haciendo es porque se me conoce, confían en mi palabra, saben cómo trabajo y, por eso, aceptan venir. Para mí es un desafío y una responsabilidad”, aseguró Bocca a la cadena BBC Mundo. El talento de los artistas uruguayos también será tomado en cuenta por Bocca. Para esto, contará nada menos que con Jorge Drexler, quien hará una composición sinfónica de una pieza de candombe para hacer una pieza de ballet. “Esta será la primera vez que Drexler compondrá para ballet; es un desafío también para él y, para mí, es tener a un gran músico y poeta uruguayo”, aseguró. Bocca también anhela acercar el ballet a nuevos públicos. “ Se puede hacer danza en un teatro y también en un estadio, o en una plaza, donde la gente se pueda juntar y ver un espectáculo, y que diga: ‘Ah, no era tan aburrido el ballet’”, le dijo el artista a la agencia de noticias EFE. Filántropo. Bocca dedicará parte de sus esfuerzos a apoyar a jóvenes bailarines. Para esto, destinará una parte de su salario (aún no se ha especificado cuánto gana ni el porcentaje que donará) para costear los estudios de los jóvenes que quieran hacer carrera en danza. “La idea es buscar chicos en los asentamientos, en barrios alejados, y que puedan venir a la Escuela Nacional de Danza y tener los estudios pagos, así como el transporte y la comida”, contó Bocca a la BBC. Todas estas acciones tienen una razón de ser: Bocca encontró en Uruguay una segunda patria. “Vivo acá desde hace dos años y es lindo poder trabajar acá y volverme a mi casa. Uruguay me gustó porque es muy tranquilo, la gente es muy respetuosa”, manifestó. Fuente Nación |
|
| Miércoles 09 de Junio de 2010 06:50 |
|
|
|
| Llega el ballet de Plisétskaya
|
| 
Por primera vez en la Argentina, se presentará en dos únicas funciones, los días 18 y 19 de junio, el ballet fundado por la afamada bailarina rusa nacionalizada española Maya Plisétskaya. De esta manera, los integrantes del Ballet Imperial de Rusia desplegarán su talento en el Teatro Coliseo, sala ubicada en la Avenida Marcelo T. de Alvear 1125 de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Argentina, bajo la dirección artística de Gediminas Tarandá, con música de Ludwig Minkus y libreto de Marius Petipa. |
|
| 
Valeria Luiselli escribió el libreto de la pieza de danza ''Estancia'' NUEVA YORK, EU.- La escritora mexicana Valeria Luiselli escribió el libreto de la pieza de danza 'Estancia', que uno de los coreógrafos más prestigiados del mundo, Chistopher Wheeldon, montó este mes para el ballet de Nueva York. 'Nunca me imaginé escribir un libreto para un ballet. Escribí un libro de ensayos y ahora hago una novela, pero nunca imaginé conjuntar de esta manera dos disciplinas que conozco', explicó Luiselli, en entrevista. Autora del libro de ensayos 'Papeles falsos', publicado este año por editorial Sexto Piso, Luiselli prepara una novela auspiciada por una beca del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes, además de que durante años fue practicante de danza clásica. 'Los coreógrafos de ballet no suelen recurrir a escritores. La danza contemporánea es demasiado abstracta, así que no es práctica común', indicó la escritora. 'Estancia' fue originalmente escrita por el compositor argentino Alberto Ginastera, pero el guión se perdió durante años y de él sólo perduró una línea narrativa sobre la que Luiselli basó su libreto. De acuerdo con la escritora, 'Estancia' narra un clásico conflicto en la literatura argentina, entre civilización y barbarie, periferia y centro, que confronta al personaje con una historia que al final se resuelve con un romance. Para la temporada 2010, y dentro de un festival que comisiona obras a jóvenes coreógrafos, arquitectos y escritores, el ballet de Nueva York encargó a Luiselli el nuevo libreto de la coreografía montada por Wheeldon. Colaboraron también en la pieza el diseñador de origen hondureño Carlos Campos y el arquitecto español Santiago Calatrava, quien diseñó la escenografía. 'Cuando vi el ensayo de la obra fue como si hubiera visto que lo que escribí fuera elevado a un nivel poético', enfatizó Luiselli. La pieza fue montada desde el 1 de junio en Nueva York y permanecerá en escena hasta el 11 de este mes. Fuente Informador |
|
|
|
