La primera bailarina del Royal Ballet de Londres es la española más reconocida en el mundo de la danza. Triunfa allá por donde pasa y lleva una vida tan nómada que suspira por disfrutar de las fiestas con su familia.

1. ¿Existe la felicidad? ¿Podría explicarle esa palabra a un niño de 8 años?

–No creo que pudiera explicarlo con palabras, pero sí podría intentar hacerle sentirse feliz.

2. «Yo para ser feliz quiero un camión», cantaba Loquillo. Usted, para ser feliz, necesita…

–Una noche libre y una buena fiesta con la familia y los amigos.

3. ¿Cuál ha sido la época más feliz de su vida? ¿Qué le ocurrió?

–Cuando gané el concurso de París y se me abrieron las puertas de Europa. Tenía 18 años.

4. ¿Cuál es su tarea favorita para 'desconectar'? ¿Con qué frecuencia la practica?

–Ir a ver otro tipo de arte que no sea danza: una película, un concierto, una obra de teatro...

5. ¿Es de carcajada fácil o no? ¿Con qué suele reírse?

–No, soy más bien de ji, ji... Me río pero no me descontrolo. Y suelo reírme con los chistes de mi primo. Son los mejores.

6. ¿Y qué le quita el sueño?

–Casi siempre duermo muy bien, pero me quita el sueño pensar que he sido injusta con alguien.

7. ¿Cómo cree que le ven los demás: tal y como es, mejor de como es, o peor de como es? ¿Y por qué?

–Me ven más seria de lo que soy. Y creo que eso es porque es una imagen que probablemente proyecto sin darme cuenta, sobre todo en nuestro país, porque siempre tengo que hablar sobre cosas serias.

8. ¿ Cuál es su mayor virtud?

–Saber aprender siempre.

9. ¿Y su peor defecto?

–Ser terriblemente autocrítica.

10. Si quiero sacarle de sus casillas, ¿qué debo hacer?

–Contarme chismes. Si me los cuenta a mí es porque a los otros les dirá también cosas mías. Detesto a los cotillas.

11. Una vida infeliz sería una vida sin amor, música, amigos, sexo…

–... y sin arte y sin sol.

12. Una noche de verano se le aparece el mago de la lámpara y le dice: «Pida un deseo». ¿Qué pediría?

–Si estoy bailando, que sea una de esas noches con magia.

13. ¿Ha leído alguna vez un libro de autoayuda? ¿Qué le parecen?

–Sí y me parecen en general simples. O mejor dicho: simplistas.

14. ¿Cuál ha sido el peor y el mejor momento de este curso pasado?

–El peor cuando estaba bailando en Londres y me dejaron una aguja en el traje, se me clavó, entró en el estómago y me tuvieron que operar. Y lo mejor, el mes que me pasé haciendo de sombra de la directora artística del Ballet Nacional de Canadá.

15. ¿Qué es lo que más le preocupa ahora mismo en su vida?

–Qué haré cuando me retire.

16. ¿La crisis le ha afectado a su nivel de felicidad?

–No me gusta ver sufrir a los demás.

17. ¿Si tuviera que recortar los gastos en un 10%, por dónde empezaría?

–En ropa, zapatos y bolsos. Tendría que comprarme muchos menos.

18. ¿Qué cambiaría de su vida (de su pasado, carácter, físico…)?

–Me gustaría que la opinión de los demás me afectara menos.

19. ¿Ha sufrido alguna vez una crisis personal? ¿Cómo logró superarla?

–No. He estado, digamos, triste en alguna ocasión, pero no he tenido tiempo en pensar en ello. De hecho, seguir bailando me ha servido de terapia. Hacer clases es un buen método: en silencio y concentrándote solo en los músculos...

20. Proponga una idea para que el país recupere la confianza.

–Que nos ayudemos entre nosotros y dejemos de escuchar a los políticos.

21. Si 10 es «optimista antropológico» y 0 es «pesimista sin solución», ¿usted dónde se sitúa?

–En un 5. Y dependiendo de la actuación del día anterior, a veces en un menos 2.

22. Cuénteme algo que haya hecho hoy para hacer más felices a las personas que tiene a su alrededor.

–He reservado mesa en un restaurante para 15 personas.

24. ¿Se considera una persona envidiosa? ¿Qué siente cuando le cuentan que un competidor suyo ha cosechado un éxito?

–No soy envidiosa, no. Y me gusta mucho aprender de los competidores, ver los espectáculos de los demás e intentar entender qué tienen de bueno y poder aprender de ellos.

25. ¿Ha hecho alguna vez una locura por amor?

–No, pero por amor a la danza sí.

26. «Conócete a ti mismo», decían en la antigua Grecia. ¿Usted cómo anda en ese terreno? ¿Se conoce bien?

–Me gustaría pensar que sí. El presentarte ante le público noche tras noche te obliga a hacerte preguntas y a conocerte bien; a no disolverte en las expectativas de los demás.

27. Diga un personaje público –o histórico- que envidie, o a quien le gustaría parecerse.

–Diré dos: Oriana Fallaci, por su valentia, y Diaghilev, legendario empresario de los ballets rusos y revolucionario de la danza. Fui a dejarle flores a su tumba en Venecia.

28. De no dedicarse a su profesión, ¿en qué otro oficio sería feliz?

–Me gustaría haber tenido una vida paralela en la que fuera chelista, pero no me da tiempo a todo. Jacqueline du Pré, pero con final feliz.

29. ¿Diría que el español medio es un tipo feliz?

–Es un tipo alegre, pero no profundamente feliz.

30. Escriba un sms que le gustaría recibir.

–Me lo mandaría mi mejor amiga, Elisa, y diría: «Tenemos una niña. Todo ha salido bien».

31. ¿Cuál es su mejor momento del día?

–En los saludos, después de actuar.

32. ¿Cómo se imagina a sí misma dentro de 10 años?

–Dirigiendo una gran compañía internacional y haciéndolo bien.

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Un legado que hace historia
Por Carlos Paolillo (Venezuela)

Artista con arraigos en Venezuela y América latina, a los que legó un valioso patrimonio coreográfico. Representa el punto de partida y la cima de la creación coreográfica profesional del ballet local.

Vicente Nebrada y la danza conformaron un binomio inseparable. Su visión universal del arte lo hizo un creador sin fronteras. No obstante, fue un artista con arraigos en Venezuela y América latina, a los que legó un valioso patrimonio coreográfico. A cinco años de su muerte, es pertinente volver sobre su vida y su obra.

Nebrada representa el punto de partida y la cima más alta de la creación coreográfica profesional del ballet en Venezuela. Su nombre figura entre los estelares del ámbito latinoamericano y su repercusión internacional es notable: más de 30 compañías en el mundo poseen sus obras dentro de su repertorio.

El llamado “estilo Nebrada” puede ya considerarse mucho más que una etiqueta convencional. En él se sintetizan las que fueron las indagaciones conceptuales y estéticas más importantes de este creador dentro del ballet neoclásico, que lo llevaron a ahondar en el movimiento corporal expresivo de una manera verdaderamente particular.

Musical se denomina a este estilo, queriendo enfatizar en la relación movimiento-música, que no es de supremacía, complemento o dependencia, sino de compenetración plena y efectiva. También, plástico, por su aspecto formal, recalcando en los matices y las texturas perceptibles en sus frases coreográficas, autónomas, aunque sutil y magistralmente ligadas a una suerte de trazos pictóricos dispuestos en un espacio escénico casi ilimitado. Finalmente, libre, por sus movimientos fluidos y desprejuiciados, principalmente del torso, brazos y cabeza, ajenos al excesivo rigor y en busca de un sublimado lirismo en algunos casos o de una necesaria organicidad, en otros.

Tal vez en cuatro grandes grupos podría dividirse la obra coreográfica de Vicente Nebrada. Primero, el conjunto de piezas vinculadas con los ideales de la invocada identidad cultural latinoamericana, representadas en las coreografías “La luna y los hijos de tenía” (1975), suerte de reinterpretación escénica sobre el mestizaje continental; “Nuestros Valses” (1976) y “Una danza para ti” (1980), en las que la música, en este caso valses venezolanos del siglo XIX, constituye la clave que remite a un contexto geográfico, social y cultural, determinado, aunque con clara validez y proyección en cualquier ámbito.

Luego, se encuentran las obras creadas dentro de los parámetros y a partir de los códigos compartidos por la danza escénica como manifestación de arte universal. “Lento, a tempo e Apassionato” (1978) y “Géminis” (1970), la exaltación estética de las relaciones humanas entre dos, románticas, existenciales o meramente abstractas y la apoteosis del arte del pas de deux, proverbial en Nebrada, llevado a extremos de intensidad emocional, goce artístico y dificultad física. También “Percusión para seis hombres” (1969), planteamiento abstracto de movimiento a partir de las particularidades sugeridas por distintos instrumentos de percusión y la energía emanada del cuerpo masculino; “Pentimento” (1983) y “Doble Corchea” (1984), la plasticidad y musicalidad del movimiento al servicio de la coreografía como brillante y fastuoso espectáculo escénico.

Finalmente, la revisión para el público contemporáneo de los argumentos y la estética del ballet clásico y de obras fundamentales del siglo XX, constituye una tentación que Nebrada no evadió. Sus versiones de “Pájaro de Fuego” (1982) y “Romeo y Julieta” (1986), ofrecen aportaciones ciertas en lo coreográfico, aunque desde una óptica más conservadora que renovadora; mientras que sus versiones de “El Lago de los Cisnes” (1982), “Coppelia” (1987), “Don Quijote” (1992) y “El cascanueces” (1996), representan más que códigos de ruptura con la tradición, puestas en escena de nivel superior.

El último proyecto artístico en el que trabajó Vicente Nebrada fue su versión inconclusa de “La bella durmiente del bosque”, a partir del clásico de Petipa-Tchaikovsky, a fin de completar su aportación a la trilogía fundamental de la danza clásica occidental. También por momentos imaginaba una nueva obra neoclásica sobre una partitura de Mahler, que no pudo concretar.

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Bailarín y coreógrafo ruso, cuyo trabajo revitalizó el ballet clásico tradicional e inauguró una nueva era de brillantez en la historia de la danza. Mijaíl Fokin nació en San Petersburgo el 26 de abril de 1880. Estudió en la escuela del Ballet Imperial y en 1898 ingresó en él con el rango de solista. Su insatisfacción hacia el hecho de que la música fuera un mero acompañamiento, los vestuarios y decorados guardaran poca relación con el argumento y la danza fuera un ejercicio técnico, le llevó a desarrollar una filosofía de reforma. Creía que el ballet, en lugar de confinarse en los pasos y movimientos tradicionales, debería aspirar a que éstos reflejaran el argumento, la época y la música. Para él, la danza y la mímica sólo tenían significado cuando eran dramáticamente expresivos. Fokin también pensaba que los movimientos con todo el cuerpo deberían suplir a los gestos de manos tradicionales a no ser que el estilo del ballet lo requiriera. La expresión dramática no debería estar reservada a los bailarines solistas sino que debería verse reflejada en todo el conjunto. Según su visión, la danza, la música, el decorado escénico y el vestuario debían contribuir a crear un todo unificado. Entre sus primeros trabajos estaban Chopiniana (1903; revisada como Las sílfides, 1909); La muerte del cisne (1905), variación para la bailarina rusa Anna Pavlova, y Le Pavillon d'Armide (1907). En 1909, en París, Fokin fue invitado por Sergei Diáguilev a convertirse en coreógrafo de sus Ballets Rusos. De este modo, tuvo la oportunidad de desarrollar sus propias ideas, y el empresario ruso contrató a los más grandes compositores, bailarines y diseñadores de la época para que trabajaran con él. Se puede citar entre los bailarines a los rusos Anna Pavlova, Vaslav Nijinski y Tamara Karsavina; y entre los diseñadores, a los rusos Leon Bakst y Alexandre Benois. El compositor de origen ruso Ígor Stravinski escribió para Fokin la música de los ballets El pájaro de fuego (1910) y Petrushka (1911); la partitura de Dafnis y Cloe (1912) era del compositor francés Maurice Ravel. Otros ballets creados por él para los Ballets Rusos fueron Sheherazade (1910), El espectro de la rosa (1911) y El gallo de oro (1914). Rompió con Diáguilev en 1914 y regresó a Rusia donde permaneció hasta 1918. En 1919 se estableció en Nueva York como coreógrafo y maestro. Murió el 22 de agosto de 1942 en esa misma ciudad.

Es siempre edificante acercarse a la literatura coreográfica de Mijail Fokin , tanto como a sus escritos. En sus memorias y en sus cuadernos de trabajo insistió mucho en el deber ético del coreógrafo de generar nuevas formas que pusieran en juego la tradición con el arte nuevo. Balanchine también, quizás su heredero principal en la columna fundacional de lo mejor del siglo XX y del ballet moderno universal, reconocía que Fokin sentó bases de cambio e interpretación de la tradición que se prolongan hasta el infinito. Es así que el repertorio que nos legó Fokin se ve ya como un clásico en toda regla, pero con los resortes estéticos de su filosofía del trabajo.
Scheredzade (1910) y Las sílfides (1909, nombre definitivo de Chopiniana, como se conoce y se representa fuera del ámbito ruso) son muy diferentes entre sí, muestran la versatilidad de Fokin y cómo apuntaba en varias direcciones a la vez, entendía el ballet en un sentido prismático, velando porque una cosa eran los estilos y otra las tendencias estéticas. Los dos ballets son puestos en escena por la compañía rusa con plantilla reducida. Esto los perjudica, aunque es reconocible la materia de autor. En Scheredzade hay más libertades poco explicables: la impostación del eunuco, por ejemplo, la vulneración de algunas pantomimas. Nariman Bekzhanov es un Esclavo Dorado potente y resuelto tanto en la técnica como en la intención y Anna Pashkova hizo una Zobeida envolvente e intensa. La reconstrucción escenográfica de Anastasia Makrchan es de lo mejor de esta producción, pues estudia el cromatismo original, los fugados de los telones pintados y el ambiente orientalista a la manera de la pintura europea de la época, lo que Bakst magistralmente trasladó a la fantasía escénica y que se capta y reproduce ahora muy bien.

En Chopiniana destacó la bailarina que se encargó del pas de deux y de la segunda mazurca. Ella fue lo mejor de la noche, delineada, de dibujo gentil y una musicalidad encantadora, pero su nombre no estaba en el papel impreso (vimos que era rubia y su peinado, el único que respondía al correcto).

Los diseños ciertamente conservadores de Vladimir Arefiev se atienen a la tradición de Benois y dan esa atmósfera que quería Fokin, donde el romanticismo balletístico es una cita culterana y no un fin. Pensemos que Fokin acuñó el término neorromanticismo para cifrar esta obra, que él mismo retocó y pulió hasta poco antes de morir, consciente acaso de que tenía entre manos una obra maestra y eterna, su primer gran ballet abstracto y que tiene continuidad relativa en Eros, hoy lamentablemente olvidado.

El programa se completa con Bolero en una versión que creara Nikolai Androsov para Maia Plisetskaia y Gediminas Tarandá. Naturalmente, eran otros tiempos y era otra cosa verlos a ellos, con sus personalidades, su impronta y sentido teatral.

Fuente: El País

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Comienza su formación artística en el campo del teatro de muy pequeño, a los 11 años, estudia 6 años arte dramático en su ciudad natal, Córdoba Capital, realizando obras clásicas como “Un tranvía llamado Deseo” o “Yerma” entre otras y obras más contemporáneas participando como actor y en otros casos como asistente de dirección y guionista.
Seleccionado por Pepe Cibrian Campoy para “Drácula, el Musical” a las 14 años de edad comienza su carrera profesional. Después de “Drácula” siguen trabajos como “El Loco de Asís” con dirección de Manuel González Gil o infantiles como “Bananas en Pijamas”
Años más tarde incursiona en el área de la danza, estudiando técnica clásica, moderna y jazz. Perfeccionándose con cursos realizados en el Teatro Colon de Buenos Aires y con la maestra Lidia Segni.
2001- Ganador de la beca “un año en buenos aires” auspiciada por Julio Bocca, Chet Walker, beca que incluía clases de técnica clásica con los maestras Raul Candal, Katty Gallo, Silvia Basilis y Sonia Von Potovsky , clases de danza jazz, y realizar la escuela de comedia musical del mismo estudio tomando clases de canto, teatro, historia del arte, entre otras.
2002- Es seleccionado por Mauricio Wainrot, director del Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín, para ingresar a la compañía.
Paralelamente se perfecciona en danza clásica con los maestros Martha Steinhebel, Ilse Wiedmann, Lidia Segni, David Sturmer, Gustavo Moyajoli, Mario Galizzi, Patricia Carey, entre otros. Y en diversas tecnicas de danza contemporanea con Marina Giancaspro, Carlos Casella, Gulianna Rosetti, Gabriela Prado, Gustavo Lesgart, Dalila Spritz, Roberto Galván.
2003- Nuevamente junto al Ballet Contemporáneo participa en la obra “Carmina Burana”, con coreografía de Mauricio Wainrot y música de Carl Orff. Participa en la obra “Cuerpos Cautivos”, con coreografía de Alejandro Cervera.Es elegido por el coreógrafo Miguel Robles para la obra “Pampas”, con música de Alberto Ginastera, “Luces distantes” de Mauricio Wainrot con música de Petéris Vasks y el re-estreno de “La consagración de la primavera”.
2004- Junto al Ballet Contemporáneo participa en la obra “ Now and then” , “Sinfonía de los Salmos” , “Travesías”, con coreografía de Mauricio Wainrot , "Bolero" de Marc Ribaud y "Stetl" de Richard Whearlok, Looking througt glass de M. Wainrot.
2005- Comienza la temporada con el ballet con el reestreno de “Bolero, Stetl y Looking”, el estreno de la obra “Medea” con coreografía de Mauricio Wainrot donde es invitado Maximiliano Guerra para encabezar la misma, realiza funciones con los primeros bailarines del American Ballet: Paloma Herrera y Angel Corella , en el Luna Park junto al ballet del San Martín. III Programa del Ballet Contemporáneo con coreografías de Roxana Grinstein, Roberto Galván y Gustavo Lesgart en el Teatro San Martín. Participa en la reposición de “Travesías” de Mauricio Wainrot cerrando el año con el ballet del San Martín.
Paralelamente dirige por primera vez una comedia musical “Mosqueta.doc” ganadora del primer concurso de dramaturgia organizado por la Fundación Julio Bocca, la cual se represento durante un mes en el Maipo Club.
2006- Sigue en el ballet del teatro San Martín, trabaja con los coreógrafos Walter Camertoni, Alejandro Cervera y Mauricio Wainrot.
Escribe y dirige “Te duele, me duele y nos duele no poder decir te amo”, primera parte de La Pentalogia de los sentidos, auspiciada por el Ministerio de Educación y Cultura de la Provincia de Salta y diferentes bodegas de Cafayate, teniendo también subsidio del Fondo Nacional de las Artes para el montaje de la misma.
Realiza el diseño de iluminación de las obras “Maquinaria H” de Facundo Rubiño, realizando funciones en el Espacio TBK los sábados de septiembre y de “Lagrimas de Cebolla” de Daniel Payero en el teatro del Sur.
Protagoniza “Dame Vidrio” video-danza dirigido por Silvina Cortes. La coreografía surge de creación colectiva y el trabajo fue subsidiado por Prodanza, Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires, recibiendo también la colaboración del Complejo Teatral de la Ciudad de Buenos Aires. Este video-danza participo de diversos concursos nacionales e internacionales de cine y obtuvo el primer puesto en el concurso organizado por Canal á de Buenos Aires.
Dicta cursos de danza contemporánea en Córdoba Capital en el Instituto Privado de la Maestra Mirta Cardarelli.
Funciones con el Ballet del San Martín con la obra “La Tempestad”, coreografía de Mauricio Wainrot, ganadora del premio “mejor obra del año” en los premios Clarín Espectáculos 2006.
2- Realiza cursos de perfeccionamiento de danza clásica y contemporánea en diferentes países de Europa en compañías de suma importancia como en el ballet de la Generalitat de Valencia, España, con la compañía de A la Scala en Milán, Italia y con la compañía de danza contemporánea del coreógrafo Vasco Welemcap en Lisboa, Portugal.
De vuelta a Buenos Aires comienza la temporada con el ballet del San Martín realizando un programa con tres obras de coreógrafos argentinos, Carlos Trunsky, Carlos Casella y Mauricio Wainrot.
En mayo es convocado por la directora del Taller de danza contemporánea San Martín, Norma Binaghi, para asistir y luego reemplazar por tres meses al Maestro Roberto Galván en las clases de partenaire contemporáneo dictadas para el curso mas avanzado de dicho taller.
En julio, invitado por el coordinador del área de danza del Centro Cultural Rojas, Alejandro Cervera, estrena Rufianes, su obra de danza contemporánea de genero policial dentro del ciclo 2(007). Rufianes tuvo excelentes críticas de la prensa local especializada.
Con motivo del 30 aniversario de la creación del Ballet contemporáneo del Teatro San Martín, integra la reposición de El Mesías, obra emblemática del director Mauricio Wainrot.
Es nominado para los premios Clarín Espectáculos 2007 en el rubro de “danza revelación”.
2008- Viaja a Córdoba Capital regularmente para dictar cursos intensivos de Partenaire Contemporáneo en la Escuela de Danza Contemporánea Medida X Medida y en la Escuela del Teatro San Martín dirigida por Cristina Gómez Comini. En Buenos Aires es maestro invitado del IUNA.
Actualmente en el Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín está trabajando en obras de los coreógrafos Mauricio Wainrot, Marc Ribaud, Gabriela Prado, Alejandro Cervera y Ramiro Soñez.
Alejandro Cervera programó RUFIANES para el festival de danza 2008 en el Rojas donde hay obras de los coreógrafos mas representativos de la actualidad argentina entre otros Oscar Araiz, Roxana Grisntein, Luis Garay y Pablo Rotemberg.
Recibe un subsidio de Prodanza para la producción de BOXES O LA CARRERA DE TU VIDA, nueva obra de danza-teatro que se estrenará en Konex en el mes de octubre.
Web: http://www.youtube.com/exebarreras

Espectáculos en los que participó:
No se puede vivir del amor (Idea, Bailarín, Coordinador general, Director)
No sé hacer otra cosa que caer en tus brazos (Idea, Coreógrafo, Director)
Ratón de biblioteca (Intérprete)
Boxes (o la carrera de tu vida) (Idea, Texto, Coreógrafo, Director)
Envuelto en tu cuerpo (Iluminador)
Rapaz (Fotógrafo)
Rufianes (Idea, Coreógrafo, Director)
Te duele, me duele, y nos duele no poder decir te amo (Director)
Maquinaria H (Operador de luces)

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Gustavo Zajac, nacido el 11 de Octubre 1971, en el Barrio de Caballito, en Capital Federal, Buenos Aires, Argentina.
Actualmente sigue viviendo ahí.

-¿Cuando comenzaste en el mundo de la danza, a que edad y en donde?

-Mira, a los 9 años comencé a bailar, pero dentro de una escuela judía en Buenos Aires
y tenía como una de las materias folklore israelí, entonces la escuela armó un grupo, como
se arman a veces en escuelas nacionales de Folklore Argentino también , que de hecho también
hacía en la escuela nacional, pero en la escuela que yo iba se formo un grupo con el cual
nos presentábamos en la escuela, y también viajábamos al interior del país, viste que a veces se
hacen festividades de colectividades, entonces viajaba a Rafaela, en Santa Fe o a Córdoba, y en
distintos festivales nos presentábamos así que ya a los 9 años estaba arriba de los escenarios ya bailaba.
A los 14 años perdí a mi papá, en un accidente, y me refugie en la danza, y entonces comencé casi
obsesivamente a tomar muchas clases, porque sentía que era el lugar que me liberaba mucho, y estudie
en principio hacía barre a terre y contemporáneo con una maestra que se llamaba Ana Camiel en buenos Aires
y con otra maestra Liliana Cepeda hacía Barre a Terre.
Y después de eso empecé a tomar cursos en el Taller del Teatro San Martín, invitado a participar dentro
de lo que es el taller en si mismo y después hice el primer año en el taller, y en esa época también lo
conocí a Adolfo Colque que era mi maestro de jazz y con quien estudie en Buenos Aires mis primeras clases de jazz,
así que yo me formé primero en el folklore, después en clásico y en el contemporáneo y finalmente llegué al jazz.

-¿Cuando bailaste por primera vez a nivel profesional?

-A nivel profesional, yo bailé por primera vez a los 18 años, y fue una suma increíble de cosas porque si bien
entre los 14 y los 18 años había tenía la posibilidad de bailar, yo sentía que quería formarme mucho primero,
y tomaba muchas clases y me guardé hasta los 18 y a esa edad de pronto empecé a trabajar y fue muy fuerte la
experiencia, porque audicioné para el programa de Susana Giménez y entré a trabajar con ella y entonces todas
las tardes hacia televisión y a la noche había audicionado para un musical que se llama Gypsy que se hizo en la
calle Corrientes y me dieron un papel co protagónico donde bailaba, cantaba y actuaba en el escenario, todo a la vez.
Y fue una experiencia maravillosa porque imagínate yo tenía 18 años y  hacia televisión con Susana Giménez todas las
tardes y a la noche estaba haciendo un musical  de co protagonico una obra que en ese momento hicimos con Mabel Manzotti,
Luis Medina Castro, Ámbar la Fox, Sandra Guida, Eleonora Wexler,Fabio Costa, Diego Renjol, éramos un montón todos juntos
haciendo este musical y fue a los 18 años.

-¿Que sentiste?

Era maravilloso, porque siento que tuve una buena escuela eran tres profesionales de primera y aprendí mucho, y a la
vez pase a integrar parte de un grupo de animación de fiestas , en Buenos Aires hay muchos dando vuelta, y todos
los sábados y Domingos bailaba en fiestas en la madrugada, los domingos en la tarde.
Entonces tenía, televisión , teatro y exposición de show de  eventos. Fue mucho aprendizaje, a mi siempre me importo
mucho, crecer, aprender, diversificar de las formas de trabajo y bueno así fue.

Desde siempre siempre mi familia me apoyo, yo por ejemplo actuaba en Córdoba en el Teatro Municipal de San Martín ,
mi familia se tomaba un micro y me iban a ver bailar a Córdoba. Y de hecho yo a parte estudie una carrera que es
relaciones internacionales y lo hice porque yo quería estudiar jamás tuve la presión de tienes que recibirte o
hacer una carrera académica. Pero siempre tuve apoyo para las dos cosas y realice las dos. Me gustó eso, porque
me parece que está bueno que los bailarines tengan otro tipo de formación además de la danza, porque la danza,
tiene que estar repleta de contenidos, está bueno estudiar arte o historia o lengua, algo que te dé la cabeza para otra cosa también.

Tengo mucho proyectos, deseos y anhelos pero las cosas que ya hice, sobrepasaron todo lo que yo imagine en mi vida,
porque creo que en algún momento mi objetivo era bailar alguna vez en  calle corrientes, y me llego y temprano a los 18 años,
imagínate yo termine coreografiando obras en Broadway, haciendo montajes en Japón, el año pasado estaba dirigiendo el violinista
sobre el tejado en Corea y hoy coreografío a Maximiliano Guerra , entonces todo me ha superado mucho más de lo que yo tenía como objetivo.
Mi objetivo ahora, mis metas, son seguir creciendo , hacer mejores trabajos , expandir mi trabajo por todo el país
y por todo el mundo como lo hago, ósea mis metas es hacerlo cada vez mejor, cada vez a mas gente, cada vez poner mejor las obras que tenga que montar en los escenarios, que cada vez a la gente le guste más los movilice más, bueno mi objetivo es profundizar , expandir , pero no tengo nada en concreto que no se haya dado, porque lo que yo quería hacer, ya lo hice y fui más allá de eso  por esas cosas de trabajar mucho o por el destino.

-¿Con que bailarines reconocidos has tenido el gusto de bailar?

-Yo fui partenaire de Eleonora Cassano, cuando ella bailo en calle corrientes  , hizo un musical que
se llamaba Cassano Dancing, y yo era su partenaire en el espectáculo, así que para mí era muy fuerte.
Y después bailé con Susana Giménez, en televisión, y bueno en el programa de Susana también bailé con
un montón de personalidades, una vez un musical con Julio Bocca,con infinitas estrellas, Esther Rojo,
Zulma Faiad, tengo musicales con muchas muchas figuras , pero yo como experiencia artística mi mayor
logro fue bailar con Eleonora porque es alguien muy fuerte en la danza  y con quien he tenido una relación
excelente, y de hecho voy a coreografiarla ahora en un solo que ella va a hacer representando a Cyd Charisse,
que era una estrella del cine de Hollywood. Así que para mi haber bailado con ella hace 10 años y hoy coreografiarla
es un logro groso que también puedo llevar adelante.

-Crees que la danza es absorbente?

-No todo lo contrario, yo me refugie en la danza, entonces la danza no me absorbía, yo absorbía a la danza
así que no no. Si se que es una disciplina que a diferencia de los que quieren tomar 3 clases por semana y creen
que eso es bailar, están equivocados, yo hacia un poco eso, y el Argentina comprendí que llevaba mas que eso y tomaba
clase de clásico diaria y hacia varias clases por semana de jazz, pero mi cambio en la mentalidad me vino si cuando viaje
a New York y me quede a vivir un año año con la beca Full Day, y hacia entre tres y cuatro clases por día todos los días por
un año y medio sin para nunca.

-¿Como es un día normal tuyo?

Y depende no hay normalidad, la normalidad es la no normalidad, porque haber para que sepas yo por ejemplo
hoy estoy en Neuquén y esta semana viajo a Bariloche y doy curso ahí , viernes, sábado y domingo de danza y
comedia musical, la otra semana doy curso en San Juan y la otra semana me voy dos semanas a España al Festival
de Teatro de San Sebastián y después me voy a New York a ver obras por una semana y después a dar clases a Pittsburgh
por dos semanas, luego me voy a dar clases a Guayaquil por dos semanas, me quedo en Asunción otras dos semanas más después
vuelvo y me voy tres semanas a Japón , Tokio a poner coreografía para Bodas de Sangre de Federico Lorca así que esa es mi normalidad.
Y si estoy en Buenos Aires la normalidad es que de una clase de danza que una noche vaya a ver mi musical en Madero
Tango o que este tomando audiciones para algún espectáculo y siempre dejo un espacio para aprendizaje, me gusta mucho
ver videos nuevos o ver gente nueva o ir a ver obras de otras personas yo veo muchos musicales cuando viajo a Estados Unidos ,
obras  cuando viajo a Japón, veo cosas rarísimas que me inspiran, mucho cine, me encanta ir a museos, uno se inspira con todo lo
que hay dando vuelta todo sirve.

Muchas Gracias Gustavo.

Entrevista hecha el 29 de Mayo del 2009 por Lorena Rosso.

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Egresado de la School of Aerobic Championchip como instructor de gimnasia aeróbica de competición. Obtuvo la certificación de Ritmos Latinos en la Escuela Rectora de Aeróbica. Formado en Fitness con los más destacados instructores del medio. Se ha capacitado en cursos de Metodología de estudio y Pedagogía. 

Comenzó  su formación en teatro musical en la escuela de comedia musical de la  Sra.. Valeria Lynch  con  los maestros Aníbal Pachano , Norberto Mazza,  Andrea Lefevre, Gipsy Bonafina, Alejandro Lavellèn, Karina D`arigno e Irene Nocito.

Realizó en los años 2000 y  2001 las Jornadas y Congresos de Comedia Musical y  Operas Rock  dirigidas por la Sra. Valeria Lynch,  en las cuales participaron destacados maestros y  artistas nacionales e internacionales como Rob Ashford (coreografo de Brodway) y  Clayton Philips(Director y  repositor de Brodway)

En 2005 obtiene la Beca  en la escuela de Danzas Clàsicas y  Comedia Musical  Julio Bocca-Ricky Pashkus para realizar la carrera de comedia musical  formándose en teatro, canto, danza y  teatro  musical con los maestros Marcela Criquet, Marcelo Macri, Sandra Quesada, Fernando Villanueva, David Señorán, Claudia Smiguel, Sonia Von-Potobski, Silvia Bazilis, Bebe Labougle, Gustavo  Monje, Sebastián Di Sanzo, Sergio  Di croce, Laura Sliva, Luz Palazòn, Leandro Puerta y Rubèn Viani.

Participó de los Seminarios de Jazz a cargo de la maestra Tamara Levinson ( Bailarina de Madonna)

Master Class de Danza-Teatro con la maestra francesa Florianne Vergerès

Formado en Hip Hop y Funk con los gemelos Martin y Facundo Lombard, Gaby Pardo, Carolina Amaya, Myriam Paéz, Lucas ALvarez, Christian Funes y  Julian Rud. A nivel internacional se ha formado con Maestros Milo Level ( Coreógrafo de Michael Jackson ), Leslie Feliciano ( Maestro del Brodway Center of NY), con el grupo Havikoro ( EEUU) Everton Morais Maia ( Brasil ) Flavio Vieira ( Brasil ). Composición coreográfica y  juzgamiento  de Hip-Hop con el coreógrafo Octavio  Nassur(Brasil)

Desde el 2000 ha trabajado como instructor, coreógrafo, seminarista, juez y entrenador de coreografías Pop y Hip Hop en los mas importantes Estudios y Gimnasios de Buenos Aires. Tiene a su cargo la producción artística y realización integral  de Shows de Pop y Hip Hop para diversos eventos.

Representante, profesor, seminarista y juez de la Hip Hop School de Argentina y de la Organización Kaly Garrido & Co.

Como bailarín y cantante realizó  apariciones en tv y  teatro en varias oportunidades. Participó  como instructor del  segmento de  Hip-Hop  en el programa “Buen Día María” conducido por la Sra.. María Muchastegui.

En  2007  trabajó  como asistente  de coreografías Pop y Hip-Hop del Director Artístico Ricky Pashkus en el programa producido por Ideas del Sur Para Disney Internacional  “High School Musical, La Selección”, en donde se desempeñaba también como coach de Pop y Hip-Hop de los participantes del ciclo.

Junto a los Sres., Ricky  Pshkus, Sergio Berto, Marcelo  Macri y Vanina Vukuvic  conformó  el  jurado del programa de becas 2008  de Continental Airlines 

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Censurado por la ortodoxia más recalcitrante. Premio Nacional de Danza y explorador de la modernidad en el flamenco desde sus entrañas. Así lidia con el silencio el más arriesgado bailaor contemporáneo.

El bailaor está solo. Viste de negro. Pantalón ajustado. Culo prieto. Cabello humedecido con laca. Encima de su extraño semblante, ni guapo ni feo, ni gordo ni flaco, ni joven ni viejo, la bóveda del pórtico columnario del sevillano Casino de la Exposición de 1929. Y sobre ella, retumbando como un tiroteo, el "taca-tacatá" del trepidante zapateao.

Israel Galván dibuja perfiles con enjundia. Congela las manos en el aire. Sus pulgares levantados equilibran la pose. Nijinski aflamencao. Belmonte trágico. Triste y oscuro. Ni vivo ni muerto. Empapado de insomnio. Su sola presencia pone el corazón en un puño. Le rodea una cohorte de artistas, comisarios y demás invitados por Rafael Ortiz a finales de 2009 para celebrar el 25º aniversario de su galería de arte en Sevilla. El afortunado centenar de espectadores contempla en absoluto silencio el Solo de Galván. Cuarenta minutos de pura performance siempre representada al margen de teatros y escenarios al uso. Monólogo de danza sin música a ras del suelo. En la más desnuda soledad. "Mi Solo es un zoológico de animales; están todos mis espectáculos metíos. Es una banda sonora de zapateao y de cuerpo que interpreto en lugares que tienen algo especial. El instrumento soy yo. Bailar en silencio me ha llevado a intentar que suene cada rincón de mi cuerpo".

hablar con Israel Galván (Sevilla, 1973), premio Nacional de Danza 2005 y uno de los bailaores más singulares de la escena flamenca, merece tomarse un tiempo. No hace falta resaltar aquí su verbo entrecortado, tartamudeo que bebe de la timidez y viceversa. Lo importante es dejarle respirar para que discurra la lucidez. Conversamos en el salón de su casa, en el sevillano barrio de La Macarena, horas antes de interpretar el Solo bajo la bóveda del Casino de la Exposición. Nos separan dos platos de pasta con brócoli y setas preparados por su esposa, Zenaida, de 34 años. Galván viste con aire entre sport y descuidado. Pelo revuelto, barba de varios días y un rostro que derrocha agotamiento. "Desde hace años, el insomnio me persigue en las noches antes de bailar. Se convirtió en una fobia. He empezado a visitar a una psicoanalista. Todavía no estoy curado".

La casa de Israel Galván parece de otra persona. De hecho, su padre es el dueño. Y aunque no vive aquí, ejerce como tal. Suya es la elección del mobiliario clásico. Y suya es también la idea de colgar en las paredes del pasillo que conduce a un patio interior carteles de actuaciones de su hijo en España y el extranjero; en Francia, sobre todo, donde público y crítica le veneran. Estas ilustraciones de aire vanguardista contrastan con la estética cañí de unas fotos en blanco y negro de los padres de Israel, los bailaores José Galván y Eugenia de los Reyes, enmarcadas al otro lado del pasillo junto a una mesa y unas sillas de caseta de feria. "Zenaida y yo tenemos nuestra casa a las afueras de Sevilla", explica Israel. "Pero seguimos aquí por nuestros hijos, Jacob y Milena. Su cole está muy cerca. Van niños de padres muy hippies, con muy buen ambiente". Al final del patio interior de la vivienda, junto a la escalera de subida a las plantas superiores, una puerta abierta invita a asomarse a una sala forrada de espejos en los que se reflejan varios ataúdes.

Estas cajas hexagonales de madera de pino sin barnizar que presiden el estudio de Israel Galván forman parte del atrezo de su último espectáculo: El final de este estado de cosas, redux. "Un día, mientras yo ensayaba, mi hijo se quedó dormío en uno de esos ataúdes. De repente me di la vuelta y lo vi ahí dentro, con los ojos cerrados… La preparación de este montaje ha sido un exorcismo de fantasmas…, una sensación de yuyu quitao…, una terapia de tumbas".

Porque El final de este estado de cosas, redux habla de muerte, de guerra, de desolación. Bebe del Apocalipsis, con guiños que van desde el cine de Coppola hasta la danza japonesa butoh o la tarantella italiana, pasando por la siguiriya, el villancico jerezano o incluso el heavy metal del grupo Orthodox. Concebida inicialmente como una obra de tres horas y reducida a la mitad de tiempo, lleva un año y medio cosechando éxitos en España y Francia desde su estreno en la Bienal de Flamenco de Sevilla de 2008. "Para mí ha sido muy fácil meter el clima del Apocalipsis en el flamenco", asegura Galván. "Es un sentimiento que he tenido siempre, de alegría y miedo a la vez. Recibí una crianza en la religión y el miedo, una enseñanza perfecta del terror que puede ocurrir el día de la furia de Dios. Desde pequeño he visto muchas imágenes apocalípticas. Mis padres me llevaban con ellos a los tablaos y me sacaban a bailar. '¡Que salga el niño!', gritaba la gente. Y me tiraban billetes. Vivía el flamenco de los camerinos. Las bailaoras me pedían que les subiera las faldas, veía a transformistas, jugaba a las máquinas tragaperras…, y por la mañana estudiaba la Biblia. Imagínate, por las noches, los cantaores chillando: ¡Aaaaay! Y al día siguiente, el Apocalipsis, primer lamento. Ahí estaba tó. Si no hubiera tenido tan asimilado el Apocalipsis, me habría salido un espectáculo más efectista, con caballos, luces y cosas así".

–Aquellas enseñanzas de la Biblia empezó a recibirlas en casa de sus padres, que son testigos de Jehová. ¿Qué papel juega hoy la religión en su vida?

–Importante. Me he criado en ella, pero no me bauticé en la fe de los Testigos de Jehová al llegar a la mayoría de edad. No me veía con fuerzas para ser un buen representante. La religión es una conciencia que estará ahí siempre. No me considero, por tanto, una persona libre.

–¿Le obsesiona la muerte?

–Digamos que no soy maduro en este aspecto. Puede que bailar sobre una tumba en el escenario sea un psicoanálisis perfecto para no tener miedo a estar dentro.

el mejor aperitivo antes de una jugosa conversación con Israel Galván es un encuentro con Pedro G. Romero (Aracena, Huelva, 1964). Creador multidisciplinar e iconoclasta, es el responsable de la dirección artística en los espectáculos del bailaor. Su compadre y fuente de muchas inspiraciones. La cita es en una abacería de la plaza del Pumarejo, cerca del domicilio de Galván. Aquí no llega el tranvía. Ni el metro. Ni las peatonalizaciones que han modernizado el perfil de las principales arterias del centro de la capital andaluza. Al Pumarejo no ha llegado nada de todo eso. Entre sus moradores se encuentran los mismos yonquis y extraviados ociosos de siempre. La vida sabe aquí a litrona y huele a polen de Ketama. Al otro extremo de la plaza, un guardia de seguridad flanquea la entrada al centro de salud. En el número 3 permanece alzado el palacio del siglo XVIII convertido en emblema de la lucha vecinal sevillana. Curiosamente, un cartel junto a la entrada al Centro Vecinal Pumarejo anuncia para esta noche de invierno la proyección de Roma, città aperta. Neorrealismo puro; no televisivo, que diría cualquier iluminado contemporáneo.

pedro g. romero hace acto de presencia en la abacería de la esquina del Pumarejo pasada la una de la tarde. Grandullón y ojeroso, alterna sorbos de Cruzcampo con el recuerdo de vivencias junto a su amigo y compañero de batallas escénicas. "La primera vez que vi bailar a Israel fue en 1996. Le daba la espalda al público. Había despuntado en la compañía de Mario Maya y ya tenía una manera distinta de estar en el escenario. Mi cuñada, la directora de escena Pepa Gamboa, nos puso en contacto. Y empezamos a desarrollar un laboratorio de ideas que arrancó con ¡Mira! Los zapatos rojos, una versión del cuento de Andersen. En aquella época triunfaban Joaquín Cortés, Sara Baras… Nosotros quisimos partir desde cero, trabajar la modernidad en el propio flamenco".

Y se armó la marimorena. El primer espectáculo de Israel Galván se estrena en la Bienal de Flamenco de Sevilla de 1998. En mitad de la representación, el bailaor se queda literalmente paralizado. Manuel Soler, encarnado en el mismo demonio para darle réplica en el escenario, se ve obligado a empujarle hasta que arranca a zapatear. Sin parar. Como un loco. Exactamente como ese Félix El Loco de principios del siglo XX a cuyos legendarios arrebatos danzantes homenajeaba aquella ópera prima con la que arrancó la división de opiniones entre el respetable. La ortodoxia más recalcitrante empuñó el hacha de guerra. "Tu hijo se está perdiendo", advertían los más críticos al padre de Israel. "Es que yo gustaba a la gente cuando estaba con Mario Maya y ganaba concursos", recuerda el aludido. "En la Bienal de 1998 todos esperaban ver de lo que era capaz en mi primer espectáculo solo. Había sentido una especie de unión personal y artística con Pedro G. Romero. Con Mario Maya ya vi mucho Lorca; con Pedro lo conocí todo. Buñuel, Duchamp… Todo. Se convirtió en mi universidad intensiva. Me di cuenta de que yo no quería ser el mejor bailaor. Quería contar cosas, apartarme del resto".

Le costó caro. Desde las tablas presenció en varias ocasiones cómo algunos espectadores de ¡Mira! Los zapatos rojos abandonaban sus localidades al grito de: "¡Mamarracho!". "Todo eso me llevó a hacer la adaptación de La metamorfosis, de Kafka, en 2000. Me sentía un bicho raro, reflejado en Gregor Samsa. Decidí imitar a los artistas más personales: Enrique El Cojo, que estaba jorobao, o Vicente Escudero. Mi propia familia empezó a decirme: '¿Qué estás haciendo?'. Aquello me hirió. Con mis padres hubo distanciamiento. Él tenía un estilo de Farruco y yo quería partirlo. La única manera de hacerlo era ser yo mismo. La libertad que no podía tener en la vida la encontré en el escenario".

Galván recuerda que cuando era pequeño la libertad consistía en algo muy sencillo: "Yo quería ser un niño normal". Pero la academia de baile de su padre ejerció desde muy temprano un irresistible poder disuasorio. "Él me obligó a ir a su academia. Hice unas pruebas en el Betis, pero no me dejó seguir con el fútbol. No llegué a terminar la EGB. Repetí el último curso y me llevaron a Japón, a Nimes… Ya estaba bailando. Además, mis padres no querían que fuera con otras compañías que no compartieran sus creencias. Eso me creó un conflicto mental. Tenía 17 o 18 años, sin la fluidez ni la libertad para salir con una niña o ir a la discoteca. Así que me encerré en el baile. Empecé a ensayar como un loco, y mi padre me llevó con la compañía de Mario Maya. Aquel trabajo sádico dio sus frutos".

para pedro g. romero, la técnica de Israel Galván hoy es "enorme"; "pero lo que a él más le interesa es la propuesta. Hay un largo proceso de rastreo arqueológico del flamenco. Hemos recuperado fotos antiguas de bailaores para explorar en ellos. Galván tiene una modernidad asumida. Ha visto a Pasolini en clave coreográfica, sin saber quizá que Pasolini pretendía recuperar la coreografía de Giotto o Piero della Francesca". Como argumenta el filósofo francés Georges Didi-Huberman en un ensayo sobre Galván titulado El bailaor de soledades (Pre-textos): "Es un bailaor anacrónico: un bailaor de gestos demasiado antiguos para ser reconocibles, un bailaor de gestos olvidados, o sea, de gestos nuevos, un bailaor en la edad del cinematógrafo…".

Ha exudado sus obsesiones durante el último decenio en exitosos y no menos polémicos espectáculos como Galvánicas (2002), Arena (2004), La edad de oro (2005), Tábula rasa (2006) y su Solo estrenado en 2007 en la Cinémathèque de la Danse de París. Con todos sigue viajando por el mundo. Pero reconoce que no fue hasta el estreno de El final de este estado de cosas, redux, que en mayo representará en el Théâtre de la Ville parisiense, cuando comenzó a sentir una conexión más plena de la grada con su inclasificable universo creativo. "Creo que hoy la gente ya sabe lo que viene a ver. Y mi relación con el público también ha cambiado. Ya no le veo como a un enemigo, quizá por eso al principio le daba la espalda. Haber tocado el Apocalipsis y comprobar su aceptación ha sido definitivo".

entre la ecléctica nómina de intérpretes con los que Galván ha colaborado a lo largo de estos años está el cantaor jerezano Diego Carrasco, para quien "Israel dejará constancia de algo... Y eso ya es importante. Me encanta su libertad. El flamenco no sólo es la soleá o la bulería; el flamenco es el mundo". Otros, como Kiko Veneno, en cuyo nuevo disco, Dice la gente, ha participado el bailaor, piensan que "su investigación le aleja del flamenco, pero le acerca a un arte más universal". A Veneno le interesa mucho "su sentido del ritmo: Israel para el tiempo… llevándolo".

Así es la paradoja estética de Israel Galván. Guarda silencio ante los que dicen que su arte no es puro. "Porque yo no soy farruquero, ni de Manolete, ni de Gades. Yo soy mío".

–Al fin y al cabo, ¿qué es la pureza?

–El individuo que cree en sí mismo. Y en su manera de expresarse. Todo el que se atreva a hacer una impureza es puro.

–¿Y qué es el silencio, Israel?

–Cuando bailo, el silencio es mi momento. Mi refugio. Al estar solo, en el alambre del silencio, es cuando me siento más fuerte de espíritu.

Fuente El País

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NUEVA YORK (AP) - Pocos saben que las piezas de danza moderna en cualquier escenario están influenciadas por un mexicano de Culiacán que llegó a Arizona a los siete años sin hablar una palabra de inglés.

José Limón está considerado uno de los precursores de la danza moderna: unas 250 compañías, escuelas y universidades alrededor del mundo usan piezas de su repertorio.

Muchos le consideran además el primer coreógrafo que destacó la importancia del hombre como bailairín, huyendo del tradicional concepto que enfoca la danza en la mujer.

Sin embargo, Limón es poco conocido en Latinoamérica y, para muchos, no ha recibido el reconocimiento que merece en Estados Unidos, el país que le vió crecer como artista.

"Cuando empezó a destacar como bailarín los americanos (estadounidenses) lo acogieron como americano (estadounidense). La diversidad no era celebrada", dijo Gabriela Poler-Buzali, directora ejecutiva de la Fundación José Limón. "En los años 50 y 60 decir que eras bailarín mexicano, en un arte tan nuevo como la danza moderna, no estaba tan bien visto".

Limón murió en Nueva Jersey en 1972 pero la compañía de danza que creó lleva 63 años dando a conocer su legado, con una ocupada agenda de actuaciones este invierno y primavera del 2010 en China, Italia, Suiza, México y Estados Unidos.

Compañías de danza moderna y universidades de todo el mundo enseñan su expresiva técnica de baile, pero fuera del círculo artístico, Limón no es no un nombre que resuena.

Las razones podrían ser varias, dicen los expertos: Limón murió joven, a los 64 años, lo que le impidó generar el mismo número de piezas que otros famosos coreógrafos.

"Si más gente le hubiera visto, habría tenido aún una mayor influencia", dijo Paul Taylor, director artístico de la compañía de danza moderna Paul Taylor, en Nueva York. "Pero la audiencia de la danza moderna en aquel entonces era pequeña. No mucha gente acudía a verla".

El artista mexicano creó unas 100 coreografías, entre ellas varias obras maestras, y su compañía fue la primera agrupación de danza moderna estadounidense en ir de gira al extranjero, marcando precedentes para otras que seguirían sus pasos. El 12 de enero de 2008 se celebró el centenario de su natalicio con una gira en las tres ciudades que marcaron su vida: Culiacán, Los Angeles y Nueva York.

Su compañía de danza _ con 13 bailarines permanentes que ensayan cinco días a la semana _ se enfoca en bailar con el tono narrativo de Limón: expresando sentimientos, estados de ánimo, alegrías y frustraciones a través de los movimientos del cuerpo.

La organización se dedica estos días a ensayar "Hubo un tiempo" ("There was a Time", en inglés), una pieza de Limón que será presentada en Beijing a principios de diciembre.

Carla Maxwell, la directora artística de la compañía desde 1978, asegura que no se cansa de las coreografías del mexicano, a pesar de llevar décadas bailándolas o dirigiéndolas.

"Creo que era un genio como coreógrafo", explicó durante un ensayo en un gimnasio del barrio Upper West Side de Manhattan. "El creó un lenguaje para los bailarines que consistía en tomar gestos y formalizarlos y aún así lograr que todo fuera natural. La gente me dice '¿Y no te cansas de bailar siempre lo mismo?' y yo les digo que no porque siempre descubro cosas nuevas".

Maxwell _ quien recogió la Medalla Nacional de las Artes otorgada a la fundación por el entonces presidente estadounidense George W. Bush en 2008 _ lamenta que Limón sea aún un desconocido para muchos.

"Creo que José nunca pudo recoger los logros de su cosecha durante el transcurso de sus vida", señaló. "Pero el hecho de que la gente le estudie aún hoy en día me dice que hay algo muy fuerte, vital, en su trabajo y que habla por encima de fronteras y a través de nacionalidades. El quería encontrar una forma común de comunicación".

Limón huyó a Estados Unidos con su familia durante la guerra civil mexicana. Primero llegaron Arizona, para luego instalarse en Los Angeles, aunque a los 18 años, el mexicano viajó a Nueva York para estudiar pintura. Limón dijo más adelante en sus memorias que quedó decepcionado con sus estudios, al descubrir que lo que él quería expresar a través del arte ya había sido realizado.

Una tarde, sin embargo, fue a un teatro y vio a Harald Kreutzberg, un bailarín de danza moderna alemán que le acabó causando una fuerte impresión.

A los 21 años se matriculó en la escuela de danza Doris Humphrey/Charles Weidman y acabó creando la técnica Humphrey-Limón. En 1943 Limón fue reclutado por el ejército estadounidense y tres años más tarde fundó su propia compañía de danza.

"Lo que destacaba de Limón era su pasión y su enfoque humanista. Lo que él hacía era totalmente distinto a lo que existía en el mundo del ballet en ese momento", dijo Dick Caples, director ejecutivo de la compañía de danza Lar Lubovitch. "Limón expresaba en sus bailes la vida diaria, con sus fallos y realidades. Lidiaba con el ciclo de la vida y cosas que le ocurrían a la gente cada día. El ballet entonces no estaba conectado a la vida diaria".

Gran parte del trabajo de Limón se ha perdido, explicó Maxwell. La compañía _ que en estos momentos está buscando un estudio propio donde poder ensayar _ sólo utiliza 22 de las coreografías que Limón creó durante su carrera artística.

La Fundación José Limón cuenta con oficinas en el centro de Manhattan y un instituto donde se dan clases, y donde se guarda un gran archivo de fotografías, películas, libros y anotaciones del bailarín. Aún así, mucho material se ha esfumado porque no había manera de registrarlo en esa época.

"Nadie pensaba en ese momento en la preservación", explicó Maxwell.

La compañía es hoy en día la que lleva más tiempo generando piezas de danza moderna en Estados Unidos.

Para el bailarín Raphaël Boumaïla, de 36 años, la organización se diferencia de otras en la originalidad y visión de futuro de su fundador.

"José Limón era un hombre bailando, no tan sólo un bailarín", explicó. "Y lo que era increíble era que obtenía esa humanidad, la intensidad del hombre... Creo que lo bonito de José Limón era su fuerza".

Fuente Univisión

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¿Cómo se pasa de las zapatillas de punta y los tutús a lo más innovador de la danza contemporánea? Cristina Montero (Ferrol, 1978), ha pasado por todo este proceso desde que a los nueve años se agarró por primera vez a la barra de una clase de ballet, en el estudio ferrolano Rond de Jambe. Acabada la carrera de Danza Clásica, comienza a explorar otros caminos, de la mano de Juschka Weigel, Claudia Faci y Guillermo Weicker, entre otros; trabaja en compañías como 40 pasos, San & San, y se acerca al mundo de la interpretación, en la Escola de Teatro de Narón, y con todas estas maletas a sus espaldas, prepara su primer montaje. A medio camino entre la danza y la interpretación, convertirá el teatro Jofre en una fiesta, con 1ª Party.

-¿Cuál es el camino que se sigue para empezar en el ballet clásico y seguir ahora en la danza contemporánea?

-Precisamente esta semana tenía que escribir un currículum súper reducido para poner en el programa... ¡Dios mío!, empiezas a pensar en las cosas que realmente has hecho, y la verdad es que son un montón. No hay una formación en concreto, tienes que buscarte la vida. Yo de casualidad caí en la escuela de formación de actores y actrices de Narón, y allí sigo. Es lo que me faltaba por conocer de la interpretación.

-Da la impresión de que cada vez se salta más la línea entre danza y teatro...

- Hay cosas que no nos debemos saltar. La estructura sólida del teatro y de la danza clásica son muy importantes, funciona de cara al público. ¿Por qué hubo un lleno en el Pazo da Cultura de Narón para ver Giselle? Porque esa estructura funciona bien. Pero se pueden utilizar un montón de recursos. Es importante conocer la estructura, luego ya destruirás cosas... pero lo más sencillo puede ser lo más innovador.

-Habla de la Escuela de teatro de Narón, y precisamente otro de los proyectos en los que trabaja ahora mismo es la Escuela de danza contemporánea....

-Es sorprendente. En este proyecto estamos Ruth Balbís y yo. Se nos propuso un día la creación de la escuela, y a mí me pareció la bomba, porque es complicado que un ayuntamiento se moje de ese modo. Creo que vamos a hacer cosas estupendas.

-¿Encontraría más oportunidades fuera de Galicia?

-En un sitio más grande tendría más oportunidades. Aunque en Galicia hay gente suficientemente formada, sin necesidad de salir. Ahora mismo es un buen momento. Por ejemplo, el Centro Coreográfico Galego está bien encaminado, o por lo menos lo estaba hasta ahora. Esto se tiene que seguir moviendo, sería terrible que ahora que han arrancado las cosas, se paren.

-El jueves presenta en el Jofre «1ª Party», su primer montaje como coreógrafa, ¿qué nos vamos a encontrar?

-La gran oportunidad que te da este mundo es poder fusionar lo que quieras para contar lo que quieras. He optado por dejarme llevar por lo que tengo dentro, y que me apetecía sacar. Yo lo veo como una fiesta.

-¿Qué le diría al público que el jueves se siente en las butacas del Jofre?

-Es que no va a haber butacas, para empezar. Habrá algunas sillas, para que el público se siente donde quiera. Quiero que entren a viajar un poco por mi espacio, que se dejen llevar, que abran los ojos, los oídos, y los poros.

Fuente La Voz de Galicia

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“Bailar flamenco es vivir
en un estado emocional intenso”

Silvia Calado. Madrid-Cádiz, septiembre de 2009

Un email para allá. Un email para acá. Así es como El Junco ha contado a Flamenco-world.com los detalles de su nuevo espectáculo ‘Por un sueño’, que se estrena el próximo 25 de septiembre en el Teatro Falla de su Cádiz natal. El bailaor afianza así su carrera en solitario desde que saliera de las filas del Ballet Flamenco de Andalucía hace ya dos años. Tras actuar en el Festival de Jerez 2007 y firmar la coreografía del macroespectáculo ‘Cádiz’, ahora va más allá. Con el concepto de la búsqueda como trasfondo, la obra se apoya en la música, la dramaturgia, la dirección escénica y el audiovisual, para poner en práctica su idea de la creatividad, es decir, “utilizar lo conocido de una forma nueva”. Eso sí, impregnándolo todo seguirá estando el consejo que un día le dio el maestro Manolo Marín: “Sé tú mismo”.

¿Cuál es la idea que inspira ‘Por un sueño’?

La idea que inspira por un sueño, es la de un bailaor que vive inmerso en la búsqueda. Bailar es vivir en un estado emocional intenso, tanto física como creativamente. En nuestra mente diariamente fantaseamos movimientos y lo mezclamos con nuestra vida cotidiana, a veces es difícil saber donde se está. Soñar despierto nos aparta de la realidad, pero marca unos objetivos, es un deseo, eso es por un sueño, el dar vueltas con la cabeza despierto.

¿Cómo encuentra la creatividad un bailaor como tú? ¿Es cuestión de trabajo, de inspiración, de personalidad?

De todo un poco. El trabajar a diario conlleva tener la mente activa y siempre estar en la búsqueda de nuevos movimientos, nuevos pasos. Al igual que el día que no te apetece trabajar y de buenas a primeras se te ocurre un paso o una melodía y acabas, pues haciendo algo que no tenías planeado. Siempre tengo algo en la cabeza rondando.

¿Hay que ser creativo para decir algo en el flamenco, en el baile, en el arte?

Yo creo que hoy en día se busca más el hacer algo nuevo, diferente, novedoso, alguna vez hasta extraño. Lo más importante es el flamenco y todo lo que conlleva esa gran palabra. La creatividad para mí es utilizar lo conocido de una forma nueva, atractiva y que transmita una idea. Siempre supone un riesgo el hacer algo nuevo, pero con el simple hecho de crear nueva música, nuevas luces, nuevos pasos, nueva escenografía… ya se está creando. Se pueden decir cosas nuevas e interesantes, sin tener que renegar de tus raíces. No existe la presión, doy lo que soy.

¿Cómo se estructura el espectáculo?

Cada coreografía tiene un título y un registro flamenco que identifica el palo en el que trabajamos. A su vez, una frase que ofrece información sobre el hilo argumental. Javier Marín y yo trabajamos mucho en esclarecer, pues sentimientos que continuamente utilizamos para inspirarnos -los sucesos de la vida diaria, el tiempo, el deseo, el amor, la muerte- son cosas que nos preocupan a todas las personas. Nosotros queremos llevarlas a otro extremo, a otro punto de vista y exponerlas.

¿Qué ofrece el espectáculo desde el punto de vista coreográfico?

En mis coreografías intento expresar mi forma de entender el flamenco. Me gusta montar directamente con los músicos, no que me lo graben y después montar, porque seguro que habrá que retocar cosas y es mas fácil tener al músico delante e ir entendiéndose el uno con el otro. En esta ocasión tengo la suerte de contar con la bailaora Susana Casas, que es creadora de sus coreografías y eso facilita el trabajo. Entre los dos hay buen entendimiento. El espectáculo, coreográficamente, lo defino como el encuentro del bailaor con su propia vida, con su propio baile.

¿La música está hecha ex profeso para esta obra?

La música esta hecha ensayo tras ensayo y sobre la marcha se van ligando los palos que interpretamos. Ya después cada uno va enriqueciéndolo poco a poco individualmente, hasta obtener el resultado. En esta ocasión, mi buen amigo y gran músico Pedro Sierra me ha cedido dos temas suyos para mi espectáculo ‘Por un sueño’. Y me aporta la frescura y el conocimiento de su toque. La frescura está en la presentación, y el conocimiento está en la farruca, que será interpretada por el piano de Alejandro Romero.

¿Qué aportan los cantaores a este montaje? ¿Qué representa el cante para ti como bailaor?

Tanto David Palomar como El Galli aportan un cante fresco, flamenco, profundo, ganas de mostrar lo que aprenden día a día. Y al ser compañeros y amigos de hace mucho tiempo, tienes la suerte de que haya una mejor comunicación a la hora de trabajar. En el caso de David Palomar, pues claro que el aire gaditano tiene que estar presente. Ya son muchos años trabajando juntos y sabemos por dónde van nuestros tiros. Es una suerte poder contar con un cantaor con tanto saber como Palomar. Para mí, el cante representa la base por la que debemos de movernos la gente que baila. Es la fuente de aprendizaje mayor y es la que te da el conocimiento a la hora de montar un baile. Si no sabes por donde van los cantes, apaga y vámonos. Me gusta darle al cante el sitio que se merece, por su importancia y valor a la hora de contar cosas.

Háblanos de las guitarras en directo…

En esta ocasión me reparto Cádiz y Sevilla en las guitarras. Juan Carlos Berlanga (Sevilla) le da madurez a su toque y Keko Baldomero (Cádiz) la fuerza de la juventud. Entre los dos he encontrado un equilibrio muy importante para poder trabajar y crear juntos.

Además, hay acordeón, piano y percusiones. ¿Qué matices añaden a la banda sonora del espectáculo?

Busco, sobre todo, matices flamencos porque es un espectáculo de cante, toque y baile flamenco. Pero siempre dejando la puerta abierta a otros estilos musicales. Me inspira toda la música que salga del corazón y sea de verdad, desde Camarón, Chano, Fernanda, Paco de Lucía, Niño Miguel, hasta Miles Davis, Armstrong, Chick Corea...

Hay dirección escénica y dramaturgia. ¿En qué medida determinan el espectáculo?

Hace años que el flamenco saltó al teatro y en este caso se trata de un exbailaor con una larga trayectoria convertido en esa figura. Javier Marín ya lleva años en esto, posee conocimientos tanto dramatúrgicos como técnicos o coreográficos para afrontar esta nueva etapa. Él se acerca mucho a mi lenguaje, nos entendemos bien. Si no existiera esta figura escénica, ‘Por un sueño’ sería otra exhibición de baile flamenco. Yo solo por supuesto que puedo contar cosas, pero es mejor compartirlas, es un nutriente para la obra. Creo que el flamenco tiene mucho que aportar teatralmente, no tenemos que bailar más rápidos o técnicos para querer expresar sensaciones diferentes. Esa es otra lucha, la de tu cuerpo. Nosotros queremos contar historias y que, por supuesto, huelan a flamenco.

Y hay audiovisuales, ¿cómo se usan en la obra?

Desde luego, no como hasta ahora lo hemos visto en diversas obras. En esta ocasión, estamos en plena investigación que se basa exclusivamente en dibujar aportes. No deseamos que los audiovisuales sean imágenes fijas o rodadas que cuenten la historia, buscamos que la coreografía y la escenografía se integren e interactúen, que puedan fluir sin necesidad de exclusión la una de la otra.

¿Qué supone este espectáculo en tu carrera?

Creo que es hasta el momento, la obra más ambiciosa, junto al espectáculo ‘Cádiz’ de las que he hecho desde que ando en solitario desde el año 2007. Intentaremos subir un escaloncito más, tanto a nivel de escenografía, luces, guión y, lo más importante, intentar llegar al público que, a fin de cuentas, es el que te da el último veredicto.

Trabajar tantos años mano a mano con Cristina Hoyos, ¿qué te ha aportado?

Mis años junto a la maestra Cristina Hoyos han sido base importante en mi aprendizaje tanto artístico como personal. Aprendí a dirigir una luz, a marcar el escenario de un teatro, la disciplina de bailar a conjunto con más personas… muchas cosas que son importantes para ahora yo poderlas transmitir y darme cuenta que no es sólo bailar, si no saber estar.

Echando aún más la vista atrás, de tu etapa de formación y los inicios profesionales, ¿qué momentos destacas, qué aprendizajes o maestros te han marcado?

Pues siempre quedan en el recuerdo los primeros maestros, en mi caso Vicente Marrero y Paqui Braza, dos gaditanos que fueron los que me enseñaron mis primeros pasos. Y a destacar, mi paso por el Ballet Albarizuela dirigido por Fernando Belmonte y mi llegada a Sevilla. Conocer al maestro Manolo Marín fue un paso importante en mi carrera, porque él fue el que me marcó el camino a seguir. “Sé tú mismo”, me dijo. Esas palabras marcaron mi forma de interpretar el flamenco.

¿Qué crees que distingue a Cádiz al baile flamenco?

Yo creo que puede aportar la espontaneidad, que hoy en día se ve muy poco en el baile, y la frescura de una forma de sentir el flamenco con otro aire… con más levante, jeje.

¿Cómo ves el presente y futuro del baile y del flamenco joven?

Personalmente, veo a la nueva generación bastante preparada técnicamente y con ganas de mostrar cosas nuevas, mucho virtuosismo y convertir los espectáculos en maratones de baile flamenco. Pero hay que mirar un poco atrás para darse cuenta de lo importante que es un silencio en el baile, un respiro, un momento improvisado. Pienso que el flamenco volverá a sus raíces y dejará de ser tan superficial.

¿Cómo ves tu presente y tu futuro artístico?

Yo me encuentro en un momento de mi vida en el que uno se siente más maduro artística y personalmente. El haber tenido a mi hijo Samuel recientemente, me hace sentir sentimientos nuevos a la hora de bailar. Mi futuro se marcara por mi presente.

Fuente Flamenco

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La coreógrafa inicia esta semana una gira de dos meses por 21 capitales españolas

Marta Caballero
A Alicia Alonso, que nació en 1920, no se le pregunta por la jubilación porque es algo que no contempla. Ya lo ha cantado a los cuatro vientos. En los años 40, en la Cuba prerrevolucionaria, emigró a Estados Unidos y se hizo bailarina en el Ballet Theatre de Nueva York, compañía que próximamente rendirá homenaje a este mito vivo de la danza. Tras la revolución, Fidel la reclamó para crear el Ballet Nacional de Cuba, que enseguida fue una prolongación de su técnica y su personalidad en el baile. Danzado el siglo XX, regresa este día 9 a Madrid con su compañía para ofrecer una gira de dos meses por España con un programa que incluye clásicos de su repertorio como Giselle, El lago de los cisnes y La magia de la danza.

PREGUNTA.- Se viene a España para estar dos meses de gira. ¿De dónde saca la energía?
R.- Es una gira larga, como nos gustan a nosotros, y más en España, para poder recorrerla bien. Siempre hemos querido hacerlo y nunca habíamos podido completarla por otros compromisos. Empezamos en Madrid con 13 funciones. Es un record, una cosa linda, ¿no cree? Yo sé que mi ballet es muy amado allí, donde tenemos una trayectoria de llevar los grandes clásicos. En total, son 21 ciudades de España que vamos a visitar. Mayoría de edad, ¿no? Y la fuerza la saco precisamente de esa visita, de poder decir que estoy viviendo y que puedo llevar el arte a todas apartes. Hay veces que hemos bailado donde no se había visto ballet nunca, de esas cosas saco la energía.

P.- ¿Cuál es la principal virtud de su Ballet, en qué aspecto ha dejado más marcada su huella?
R.- Lo principal de mi ballet es que cuando se abre la cortina, que es mi momento favorito de toda mi carrera, todo el mundo lo vive y lo entiende. Todos se llevan del teatro un buen recuerdo. Esa es la idea del ballet, que da deseo de hacer cosas, eso es lo más lindo que puede hacer, dar ganas de vivir.

P.- ¿Aún baila?
R.- Claro, y sigo haciendo ejercicios y enseñando a los muchachos muchas cosas, proyectando todo lo que sé, lo que he experimentado. Eso es muy importante, no guardarse para una el conocimiento sino compartirlo. Adelanto sus carreras para que no pasen lo que yo pasé.

P.- El próximo año se le concede un importante homenaje en Estados Unidos ¿Cree que la danza puede romper barreras entre países?
R.- El homenaje me lo concede la compañía en la que yo empecé y en la que me hice primera bailarina. Es algo muy bonito para mí, muy difícil de decir con palabras; quizás si bailara, lo expresaría mejor. Ojalá que este reconocimiento, que es muy bello, no sea solamente la felicidad mía sino la de todos. La cultura en general es lo más puro que hay, lo más sincero, lo más profundo del ser humano, por eso ayuda a eliminar muros. La guerra y los enfrentamientos no dicen nada.

P.- Este año ha sido un año negro para la danza. Se han ido Pina Bausch y Mercé Cunningham, ¿podría valorar su legado?
R.- Han sido grandes personalidades, artistas puros, y sólo espero que sepan seguir respetando su riqueza. Además, son eternos, porque su baile se queda en la memoria, no se olvidará jamás.

P.- ¿Y usted, es eterna?
R.- Bueno, yo espero, no sé.

Fuente El Cultural

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El ex director y coreógrafo del Bolshoi, Yuri Grigorovich, ayer en el Teatro Real de Madrid.- ULY MARTÍN

"El ballet es el arte de la juventud"

El coreógrafo ruso Yuri Grigorovich (Leningrado 1927) llega puntual a su cita en el Teatro Real de Madrid. Sigue siendo el mismo hombre vital de siempre, con buena memoria y respuesta rápida. El que fuera durante 30 años director del ballet del Teatro Bolshoi de Moscú ha regresado a sus antiguos dominios como coreógrafo de la casa. Tras 12 años de olvido, se reponen sus obras. Espartaco (1968), la pieza emblema que hizo triunfar antes y ahora a la compañía, se verá a partir del sábado en el Real.

Pregunta. Revisando sus 30 años al frente del Teatro Bolshoi, ¿cómo lo ve?

Respuesta. Mi carrera como director va unida a mi carrera de coreógrafo. Llegué en 1958 con mi coreografía de La flor de piedra (Prokofiev) y ya en 1965 era director. En 1995 me fui, por mi propia voluntad y porque no estaba de acuerdo con la dirección, se trataba de divergencias creativas. He regresado hace dos años como coreógrafo a ver cómo sobreviven mis obras en el repertorio del que habían desaparecido 12 años. Ser libre es muy bueno, y en esos 12 años lo fui.

P. ¿Ha participado en la selección de los elencos de las funciones en Madrid de Espartaco? ¿Cómo ve actualmente a los bailarines del Bolshoi? ¿Cuáles son las diferencias con los de generaciones anteriores?

R. Naturalmente que he participado en la selección: son jóvenes, ninguno ha cumplido los 25 años. Tengo fe en ellos, pues el arte del ballet es el arte de la juventud, los jóvenes son flexibles y moldeables como la cera.

P. Ha reconocido que en su Espartaco están las huellas de Jacobson y de Moisseiev, anteriores coreógrafos de la obra. ¿En qué se ven esas huellas?

R. He intentado alejarme de ellos. El de Moisseiev no lo vi (estuvo muy poco en cartel) y en el de Jacobson bailé. No digo que estuvieran ni mal ni bien. Jacobson hizo algo cercano a las vasijas griegas y a la pintura romana y suprimió las zapatillas de punta, pero yo veo el ballet en otra dirección.

P. Acerca del libreto de Volkov. ¿Qué modificaciones ha introducido?

R. Muchas. Lo hicimos juntos Kjachaturian y yo pues en el primero no había monólogos, disquisiciones íntimas de los personajes. Eso creó otro ritmo y la música fue retocada.

P. ¿Jugó algún papel el director Gennadi Rozdestvenski?

R. Sólo dirigió, pero era perfecto, era maravilloso para la danza.

P. ¿Cómo ve el futuro del ballet de gran formato?

R. No puedo adivinar. Han cambiado tanto los valores; en nuestro caso ha cambiado todo en las nuevas generaciones. No me arriesgo a especular.

P. Se dice que el estilo Grigorovich comprende en lo estético el estilo plástico de Simón Virzaladze. ¿Cómo nació esa colaboración?

R. Era un artista maravilloso para el teatro de ballet; también hizo óperas, cine. Era director artístico del Kirov y luego trabajó conmigo hasta su muerte. Los críticos decían que no hacía trajes sino que vestía al baile. Entendía el ballet desde la dramaturgia. Era un gran artista tremendamente modesto.

P. Resulta paradójico que hoy, al acabar una función del Bolshoi en cualquier lugar del mundo, sea usted quien sale a escena a recibir los aplausos, haciendo verdad aquella máxima de que "hace falta que todo cambie para que todo siga igual".

R. A mí también me parece raro. Aunque soy el menos culpable. Me invitan, y voy, y por ello estoy agradecido a la actual dirección.

P. ¿Recuerda la primera visita de Balanchine a Moscú?

R. Hablé con él, pues había problemas políticos, y me dijo "¿Sabes lo que me extraña? ¡bailamos y no sale nada en los periódicos!". La última vez que nos vimos fue en Moscú, éramos cuatro: tres georgianos y un ruso: Virsaladze, Balanchivadsze

[compositor hermano de Balanchine], George y yo.

P. ¿Escribirá sus memorias?

R. Cuando Jackie Kennedy dirigía Dubleday me dijo: "escriba ya sus memorias", y lo intenté. Me sugirió que me grabara a mí mismo, lo hice y cuando lo escuché pensé: ¡no soy yo!, era una voz ajena a mí. Escritor y coreógrafo son profesiones muy distintas.

Fuente El País

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Estudió en el Centro de Investigación Coreográfica en México y en el Charleroi/Danses Centre Choréographique de la Comunaut; Wallonie, en Bruselas, Bélgica, donde se especializó en Conexión-desconexión articular.

Como docente, ha impartido clases de Perkament van Wind en Vuur (Pergaminos de viento y fuego). Análisis de movimiento, movimiento de cámara, teoría e historia de la danza para el Centro de Educación Artística J.C. Orozco, la Comunidad de Guadalupe Victoria de la Fundación Sierra Mixteca, el VII Ayuntamiento de Los Cabos, el Ballet Nacional de México, la Universidad de Guadalajara y el Centro de Arte, Arquitectura y Diseño, el Centro de Arte Audiovisual, el Centro Nacional de Formación y Producción de Obra Coreográfica y la Universidad Pedagógica Nacional.

Además, tiene una vasta trayectoria como coordinador de programación de artes escénicas en el Festival Internacional Cervantino, la Compañía Nacional de Danza, el Instituto de la Cultura de la Ciudad de México (programa “La calle es de todos”) y en la Expo Lisboa 1998.

En varias ocasiones ha colaborado estrechamente en intercambios culturales con Bélgica, en los que ha trabajado con Frédéric Flamand, Marie De Corte, Thierry Smits, Anne Teresa de Keersmaeker, Elizabeth Corbett, Janet Panetta, John Wisman, Douglas Becker, Traci Owens, Lance Gries, Dominique Duszynski, David Hernandez, Steve Paxton, David Zambrano Thierry De Mey, Carolyn Lucas, Laurence Louppe, Myriam Van Imschoot y Alexander Baervoets, entre otras personalidades de la danza internacional. Actualmente colabora como Régisseur con Magdalena Brezzo en el Proyecto Acrílico, el cual recibe el apoyo del Programa de Fomento a Proyectos y Coinversiones Culturales 2008-2009.

Como docente, concibió el método Perkament van Wind en Vuur (Pergaminos de viento y fuego),análisis de movimiento e historia de la danza en los Países bajos y flamencos, especialidad que ha impartido al Ballet Nacional de México y en la Universidad de Guadalajara entre otras. Rosas perfecciono técnicamente a la Compañía Tania Pérez-Salas ante sus compromisos internacionales por Shangai, Estados Unidos, Egipto e Irlanda.

Su creación coreográfica es también vasta: "La mano que sostiene la caída", "Azul es el color universal donde el hombre se baña", "Alteración de estados", "La caída de un ángel", "S", "El peso de la mano", "Virgin voices", "Instante de camaleones", "Trilogía: After-before the rain - Antes o después de la lluvia" y "Andurrial", que le han valido reconocimientos y premios como el Reconocimiento a la Mejor Obra 1998 otorgado por la Secretaría de Cultura a través de la Dirección de Actividades Culturales y la Dirección de Coordinación y Apoyos a Municipios, Guadalajara; segundo lugar en la categoría junior del XVI Premio Nacional de la Danza INBA-UAM y II Concurso Continental de Danza Contemporánea, mejor ejecutante masculino en el XIV Premio Nacional de Danza Contemporánea.

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No tiene límites dancísticos. La creatividad es inherente a ella. No le basta con crear una pieza cualquiera. Siempre le ha gustado arriesgarse en la estética y contenido de sus piezas. Es una creadora con una necesidad imperiosa de hacer una danza poco convencional y lo ha conseguido, ya que durante 14 años ha demostrado ser una innovadora bailarina y coreógrafa.

Su nombre es Alicia Sánchez. Una personalidad que ha logrado sobresalir en el medio dancístico mexicano por su singular propuesta. Con su Compañía El Teatro de Movimiento, ha legado alrededor de 25 producciones que ya son una huella imborrable en la historia dancística.

Los logros de Sánchez han sido tales, que fue incluida en la lista de los 100 Creadores Artísticos Mexicanos más importantes del siglo XX. Y no sólo eso, en 1991 obtuvo el Premio Nacional de Danza, el Premio Nacional de Coreografía SOMEC-VITARS, y actualmente es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte, una de las distinciones más importantes que puede recibir un artista en nuestro país.

Su particular talento le ha generado un sin fin de apoyos para realizar sus proyectos.  Ha gozado de las becas del Fonca en el rubro de Jóvenes Creadores (1993-1994) y el de Ejecutantes (199).

Pero el reconocimiento no sólo ha sido nacional, pues su nombre ha transcendido fronteras.  Fue seleccionada por la Embajada de Estados Unidos para una beca de Visitantes distinguidos en la ciudad de Nueva York (1994).

Como coreógrafa, fue invitada al American Dance Festival dentro del programa Choregrapher in Residence en Carolina del Norte (1994), y a un laboratorio de trabajo con el coreógrafo Wim Vandekeybus en Bruselas, Bélgica.  También fue becada por la Coordinación Nacional de Danza para una residencia en Nueva York.

La cosecha de éxitos ha sido abundante. Como bailarina tuvo la oportunidad de hacer un postgrado en la Folkwang Hochschule en Essen, Alemania; y estudió técnicas de movimiento en Barcelo.

Su experiencia la ha compartido también con los amantes de la danza. En 1992 impartió un curso en la Escuela Nicolais and Louis Murria en Nueva York. También ofreció cursos de Composición Coreográfica e Improvisación en Movement Research de Nueva York y en Studio 303 de Montreal, que es un reconocido escenario de danza contemporánea internacional.

Otros grandes aciertos profesionales fueron la invitación que recibió para estar en la Semana de Danza Mexicana en Praga (2002). Un año más tarde, el Festival Latino de Queens en Nueva York, le pidió que creara y estrenara a nivel  mundial la obra “Out of synch”, misma que en El New York Times fue anunciada como “maravillosa”. Para la Ririe-Woodbury Dance Company de Salt Lake City, UTA, hizo una creación original como coreógrafa residente. Más adelante, fue invitada por el Festival del Centro Histórico para producir La Mirada del Sordo, que se presentó en el Zócalo Capitalino.

Las de Alicia Sánchez han estado en grandes escenarios de ciudades como Nueva York, Montreal, Praga y Beijing.

Sin lugar a dudas, una de sus grandes piezas ha sido la versión libre de Giselle (Giselle sí es él), misma que regresa en una segunda temporada renovada a la Sala Miguel Covarrubias de la UNAM.

Por: Gabriela Jiménez Bernal

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Ekaterina Maximova fue uno de las más populares y queridas de la bailarinas de ballet ruso del siglo 20.

Nacido en Moscú el 1 de febrero de 1939 estudió en el Instituto Coreográfico de Moscú bajo la distinguida bailarina Elisaveta Gerdt. Un estudiante excepcionalmente talentoso que se ha tenido en el Bolshoi inmediatamente después de su graduación en 1958, que ya han bailado todo el papel de Masha en Vainonen del Cascanueces.

Su biografía creativa, está inseparablemente ligado con el de Vladimir Vasiliev. Han sido socios tanto profesional como privada, a lo largo de su vida adulta.

Temprano en su carrera en el Bolshoi interpretó algunas pequeñas tareas, como el campesino en el pas de deux Giselle, Colombine en El Jinete de Bronce, la Danza de Bell en la Ley 2 de la Fuente de Bakhchisarai, que bailó en la despedida Galina Ulanova rendimiento, pero pronto Ulanova bajo su dirección, bailó Giselle en 1960.

Sin embargo su primer gran éxito ya había tenido lugar en 1959 con el papel de Katerina en La Flor de Piedra. Este fue su primer encuentro con el coreógrafo Yuri Grigorovich y una colaboración de sus últimos 20 años en que bailó una serie de funciones de liderazgo en sus producciones , en particular, quizás para el público occidental en Frigia y Espartaco Masha en El Cascanueces. Estos ballets, junto a Giselle eran la espina dorsal de muchas de las visitas realizadas por el Bolshoi en los años 1960 y 1970. Sus principales funciones durante este tiempo en el Bolshoi fue Kitri en Don Quijote y Zakharov Cenicienta en la versión del cuento de hadas.  También bailó María en la Fuente de Bakhchisarai. En 1973 añadió Lavrovsky Julieta en la versión del ballet de Shakespeare a su repertorio.

Maximova tuvo un papel activo en el desarrollo de la danza contemporánea Soviética,  es única entre los artistas de la época soviética, en que ella fue capaz de trabajar con las empresas extranjeras que aparecen con gran éxito en la obra de Béjart, y Petit Cranko.

Ella fue siempre una gran demanda en Rusia, para trabajar con el líder ruso coreógrafos.  Maximova tenía una afiliación con el Ballet Clásico de Moscú. Ella realizó el título en función de Pierre Lacotte Nathalie y también los papeles de Julieta en Romeo y Julieta, y Eva en la creación del mundo, ambas coreografiadas por Kasatkina Natalia y su marido Vladimir Vasilyov.

Vasiliev, junto con una gira independientemente de la principal compañía Bolshoi de comienzos del decenio de 1980 y tuvo en muchos de los nuevos roles creados para ella por su marido. Tal vez el mayor de todos fue su actuación en función de su título de larga duración Aniuta ballet estrenado en 1986 en el escenario basado en una película registrada cuatro años antes. Ella disfrutado de gran éxito con el Kremlin Ballet en Moscú en 1990 en el título de su producción de papel de Cenicienta.

Desde que dejó la etapa que ha trabajado en el Teatro Bolshoi como un pedagogo, entrenamiento en los principales solistas bailarinas para funciones. También desde 1982 ha estado en la facultad de danza en Moscú GITIS del instituto.

Maximova su arte es complejo e intenso, y fue adorado en todo el mundo. Podía encantar a través del cómic y alegre con sus funciones por su sola sonrisa cautivadora. Pero eso es una simplificación. Ella tenía una inmensa gama dramática demostrada por su éxito en papeles tan diversos como Nathalie y Julieta. Pero todas estas cualidades se funden en el papel de Aniuta, que tal vez probado su dramática habilidades como actriz más completo. La maravillosa claridad técnica, hermosa línea limpia, maravilloso juego de piernas y la capacidad de invertir la pasión y el drama en los más pequeños movimientos. Afortunadamente muchas de sus funciones se han conservado en el cine, con frecuencia asociado por Vasiliev y demostrar un documento duradero de sus logros y también a una de las mayores asociaciones de ballet en la historia de la danza.

Geoff Whitlock Geoff Whitlock

Su repertorio incluye (todos con el Ballet Bolshoi a menos que se indique ontherwise):

    * Cygnet in Swan Lake (1958) Cygnet en El Lago de los Cisnes (1958)
    * Peasant pas de deux in Giselle (1958) Pas de Deux de campesinos en Giselle (1958)
    * Katerina in The Stone Flower (Grigorovich) (1959) Katerina en La Flor de Piedra (Grigorovich) (1959)
    * Colombine in The Bronze Horseman (Zakharov) (1960) Colombine en El Jinete de Bronce (Zakharov) (1960)
    * Bell dance in The Fountain of Bakhchisarai (Zakharov) (1960) Campana de la danza en la Fuente de Bakhchisarai (Zakharov) (1960)
    * Lizzie in The Path of Thunder (Sergeyev) (1960) Lizzie en El Camino del Trueno (Sergeyev) (1960)
    * Prelude and Waltz in Chopiniana (1960) Preludio y Vals en Chopiniana (1960)

    * Watersprite in The Humpbacked Horse (Radunsky) (1960) Watersprite en La Humpbacked Caballo (Radunsky) (1960)
    * title role in Giselle (1960) título papel en Giselle (1960)
    * Spring in Cinderella (Zakharov) (Film 1960, on stage 1963) En la primavera de Cenicienta (Zakharov) (película de 1960, en el escenario 1963)
    * Mavka in Tale of the Woods (Tarasova/Lapauri) (1961) Mavka en Historia de la Woods (Tarasova / Lapauri) (1961)
    * Jeanne in Flames of Paris (Vainonen) (1961) Jeanne por las llamas de París (Vainonen) (1961)
    * Muse in Paganini (Lavrovsky) (1962) Muse en Paganini (Lavrovsky) (1962)
    * Masha in The Nutcracker (Vainonen) (1962) Masha en El Cascanueces (Vainonen) (1962)
    * Maria in The Fountain of Bakhchisarai (Zakharov) (1962) María de la Fuente de Bakhchisarai (Zakharov) (1962)
    * Nymph in Spartacus (Jacobson) (1962) Nymph en Espartaco (Jacobson) (1962)
    * Bacchante in Walpurgis Night (Lavrovsky) (1962) Noche de Walpurgis en Bacchante (Lavrovsky) (1962)
    * Nune in Gayaneh (Vainonen) (1962) Nune en Gayaneh (Vainonen) (1962)
    * variation in School of Ballet (Messerer) (1963) variación en la Escuela de Ballet (Messerer) (1963)
    * Florine in The Sleeping Beauty (Petipa/Grigorovich) (1963) Florine en La Bella Durmiente (Petipa / Grigorovich) (1963)
    * title role in Cinderella (Zakharov) (1964) título en papel de Cenicienta (Zakharov) (1964)
    * Aurora in The Sleeping Beauty (Petipa/Grigorovich) (1964) Aurora en La Bella Durmiente (Petipa / Grigorovich) (1964)
    * Ballerina in Petrushka (1964) Bailarina en Petrushka (1964)
    * Kitri in Don Quixote (1965) Kitri en Don Quijote (1965)
    * Masha in The Nutcracker (Grigorovich) (1966) Masha en El Cascanueces (Grigorovich) (1966)
    * Phrygia in Spartacus (Grigorovich) (1968) Frigia en Espartaco (Grigorovich) (1968)
    * Young girl in Le Spectre de la Rose (1968) Niña en Le Spectre de la Rose (1968)
    * Odette/Odile in Swan Lake (1969) Odette / Odile en El Lago de los Cisnes (1969)
    * Aeola in Icarus (Vasiliev) (1971) Aeola en Ícaro (Vasiliev) (1971)
    * Match Pas de deux (Schilling) (1972) Partido Pas de deux (Schilling) (1972)
    * Juliet in Romeo and Juliet (Lavrovsky) (1973) Julieta en Romeo y Julieta (Lavrovsky) (1973)
    * Pas de deux and variations in Those Charming Sounds (Vasiliev) (1978) Pas de deux y las variaciones en los sonidos con encanto (Vasiliev) (1978)
    * Juliet in Romeo and Juliet (Béjart) (with Ballet of the XXth Century) (1978) Julieta en Romeo y Julieta (Béjart) (con el Ballet del siglo XX) (1978)
    * Eliza in Galatea (Briantzev-Belinsky) (TV Film, 1978) Eliza en Galatea (Briantzev-Belinsky) (TV Cine, 1978)
    * Peter in Old Tango (Briantzev-Belinsky) (TV Film, 1979) Peter en el Viejo Tango (Briantzev-Belinsky) (TV Cine, 1979)
    * Shoura Azarova in The Hussar's Ballad (Briantzev) (1980) Shoura Azarova en La Balada del Hussar (Briantzev) (1980)
    * title role in Nathalie (Taglioni/Lacotte) (with Moscow Classical Ballet) (1980) título papel en Nathalie (Taglioni / Lacotte) (Ballet Clásico de Moscú) (1980)
    * Stella in Gigolo and Gigolette (Vasiliev-Belinsky) (TV Film, 1980) Stella en Gigolo y gigolette (Vasiliev-Belinsky) (TV Cine, 1980)
    * Juliet in Romeo and Juliet (Kasatkina-Vasiliov) (with Moscow Classical Ballet) (1981) Julieta en Romeo y Julieta (Kasatkina-Vasiliov) (Ballet Clásico de Moscú) (1981)
    * Eve in The Creation of the World (Kasatkina-Vasiliov) (with Moscow Classical Ballet) (1981) Eva en la creación del mundo (Kasatkina-Vasiliov) (Ballet Clásico de Moscú) (1981)
    * Pas de deux and variations in Homage to Ulanova (Vasiliev) (1981) Pas de deux y las variaciones en Homenaje a Ulanova (Vasiliev) (1981)
    * title role in Aniuta (Vasiliev-Belinsky) (TV Film, 1982; on stage in 1986) título en papel Aniuta (Vasiliev-Belinsky) (TV Cine, 1982; en el escenario en 1986)
    * Spanish dance in La Traviata (Vasiliev) (Film, 1982) Baile español en La Traviata (Vasiliev) (Cine, 1982)
    * Pas de deux and variations in I Want to Dance (Nostalgia) (Vasiliev) (1983) Pas de deux y las variaciones en I Wanna Dance (Nostalgia) (Vasiliev) (1983)
    * Pas de deux and variations in There Will Be No End (Vasiliev) (1983) Pas de deux y las variaciones en no tendrá fin (Vasiliev) (1983)
    * Rose in L'ange bleue (Petit) (with Ballet de Marseille) (1987) Aumentó en L'ange bleue (Petit) (con el Ballet de Marsella) (1987)
    * Pas de deux in First Night of First Nights (Vasiliev) (1987) Pas de Deux en la primera noche de Primera Noches (Vasiliev) (1987)
    * Primadonna in Chapliniana (Abaidulov-Belinsky-Vasiliev) (TV Film 1987) Primadonna en Chapliniana (Abaidulov-Belinsky-Vasiliev) (TV Cine 1987)
    * Glove seller in Gaieté Parisienne (Massine) (Naples) (1988) Guante vendedor en Gaieté parisina (Massine) (Nápoles) (1988)
    * Tatiana in Onegin (Cranko) (with English National Ballet) (1989) Tatiana de Onegin (Cranko) (con el Ballet Nacional Inglés) (1989)
    * Romola in Nijinsky (Menegatti) (Naples) (1989) Romola en Nijinsky (Menegatti) (Nápoles) (1989)
    * title role in Cinderella (Vasiliev) (Ballet of the Kremlin Palace) (1991) título en papel de Cenicienta (Vasiliev) (Ballet del Kremlin Palace) (1991)
    * Pas de deux in Overture on Hebrew Themes (Vasiliev) (1992) Pas de deux en Overture en hebreo Temas (Vasiliev) (1992)
    * Girl in Round of Angels (Arpino) (1994) Chica en la Ronda de los Ángeles (Arpino) (1994)

Fuente: Roberta Lazzarini. Maximova y Vasiliev en el Bolshoi. London, 1995 Londres, 1995

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Formación Artística:
Tango Argentino (Rodolfo Dinzel y Vanina Bilous), Folklore, Danza Jazz (M. Vallejos – L. Roatta),
Danza Contemporánea (M. Fraccia), Danza Clásica y técnica de Partenaire (C. Pazzaglini), Actuación (O. Guidi),
Composición Coreográfica ( Doris Petroni).
Formación Profesional:
Profesor de Artes en Danza con Mención en Danzas Folkloricas y Tango (IUNA)
Profesor de Danzas Nativas y Folklore (ESBA Neuquén)
Instructor de Técnicas de Gimnasia (Esc de Silvia Chediek)
Escuela de Masoterapia de Buenos Aires (Prof Jorge Gassetti)

Giras internacionales:
Chile, Emiratos Árabes Unidos, Estados Unidos de America, Paraguay, México, Francia, Suiza, China.

Actuaciones en Casas de Shows de Tango:
El Balcón de la Plaza de San Telmo. (1999 - 2000).Mitos Argentinos. (2000).La Casa de Aníbal Troilo. (2002).
Esquina El Querandí. (2002).Esquina Homero Manzi. (2001 - 2003).Sabor a Tango. (2004-2005).
Boca Tango.-(2005).Complejo Tango.(2006).Chiquín Bs As. (2007).

Espectáculos:
“Brazos y Abrazos”, “Quien les quita lo bailado”, “Tango Emotion”, “Sebastián Tango”, Centro Cultural Borges,
“En el Underground”, “Tango, Love and Sex”, Teatro Avenida,
“Tango Sónico, La Rosa”, Teatro Lola Membrives,
“Ok, Mr Tango”, “Soy del Río de la Plata” Teatro de la Cova. 
TV: “Por siempre Tango”, “Desayuno”, “Susana Giménez”, “Franco Buenaventura, el profe”.
Teatro Colón y Luna Park (para Disney World Company)
Teatro Astral,  Teatro El Cubo, La Casona del Teatro, Café Tortoni,
Salón Dorado de la Casa de la Cultura,

Experiencia Docente:
•    IUNA (Prof Adjunto Ad Honorem) Cátedras Tango I y Tango II. Buenos Aires. (2008-2009)
•    Taller de Tango – Municipalidad de la Ciudad De Campana. (2008)
•    CETBA (Centro de Estudios del Tango de Buenos Aires) Cátedra: Folklore I. (2007)
•    Esc de Danzas Nro 2 “Jorge Donn”. Prof Danzas Folklóricas. Buenos Aires. (2007)
•    Esc. Nro 80 “Manuela Pedraza”. Prof Danzas Folklóricas. La Matanza.  Bs. As. (1997 - 1999).
•    Esc. Nro 157 “Ricardo Güiraldes”. Prof Danzas Folklóricas. La Matanza. Bs. As. (1997).
•    Instituto Almirante Brown, Ituzaingo. Bs. As. (1998 - 1999).
•    Centro de Educación No Formal “Lambaré”. GCBA. (1998 - 1999).
•    Instituto de Formación Docente Nº 12. Neuquén. (1996).

Idiomas:
Francés – Inglés

Contacto:
(011) 4861-7248
15-6255-1316
Esta dirección electrónica esta protegida contra spambots. Es necesario activar Javascript para visualizarla

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Alicia Muñoz, Profesora Universitaria en Danza, se ha desempeñado como Vicedirectora, Directora Titular y Profesora  de Danza Moderna en la Escuela de Danza “Jorge Donn”, nombre impuesto durante su gestión, llevada a cabo desde 1976 hasta su jubilación en el año 2006.
El trabajo  como bailarina con coreógrafos  renombrados como Paulina Ossona, Estela Maris, Rodolfo Dantón, Susana Zimmermann, Juan Falzone, entre otros, acrecentó su desarrollo artístico, el que luego fue volcado en la docencia.

Crea junto a Beba Gonzalez Toledo y Teresa Barreto, el grupo “Integración Danza”,  con el objetivo de llevar  al interior y exterior de nuestro país, las obras de los más relevantes coreógrafos argentinos, como así también sus propias creaciones: “Despedida de soltera”, “Trascender”, “En las grietas de la tierra”,  “Momenticos”, “Entre lazadas y en..lazadas”, ”Sonidos entre cuerpos” etc.

En  1991,  crea el Ballet de la Escuela  “Jorge Donn”, para el cual montó “Pájaros”,  “Latidos”, “Niña que guarda sus lágrimas en el desván” y,  conjuntamente con Teresa Barreto, “Recuerdos”,  “Nostalgia” y “Gritos” ésta última bailada  en el Teatro Colón.

Por comprender la incidencia directa  que la actualización docente tiene en la formación de los alumnos,  se perfecciona en Danza Clásica y Danza Contemporánea con reconocidos profesores de Argentina y del extranjero, como así también de técnicas alternativas como Tai-Chi, Gimnasia Consciente, Pilates y al  mismo tiempo realiza seminarios de actualización pedagógica,  transfiriendo estos conocimientos a la enseñanza de la danza.

Para permitir que  los docentes y alumnos avanzados puedan ampliar su campo de conocimiento, organiza desde la dirección de la Escuela  cursos  con profesores  de Francia, Canadá, Japón, Brasil y de la Juillard School de Nueva York y colabora con la Asociación Argentina de Danza, Consejo Argentino de la Danza, Asociación Arte y Cultura y el C.I.E.E.D.A en la organización de espectáculos y seminarios.

Fiel al compromiso de que la danza es un arte al que todo ser humano tiene derecho, crea  en la Escuela de Danzas  “Jorge Donn” los primeros cursos  de danza para niños con necesidades especiales.

                          Alicia Muñoz, en la I Jornada de Reflexión Docente que se realizó en Neuquén

Ha participado en calidad de docente, bailarina, coreógrafa y como miembro de jurado en Festivales Internacionales de Danza de Argentina, Brasil, Cuba y Estados Unidos. Recientemente ha sido designada jurado por la Dirección de Educación Artística  en el concurso de Danza Contemporánea del Instituto Superior Metropolitano de Arte.

Su método de enseñanza, basado en el desarrollo de los centros de energía como generadores del movimiento,  fue aplicado con excelentes resultados en las cátedras de Danza Contemporánea y en los cursos para bailarines y actores dictados en el país y en el exterior.

Ha montado coreografías para obras de teatro y espectáculos infantiles para compañías de Buenos Aires  y  del interior del país.

Ha publicado artículos pedagógicos y críticas de danza en el diario “Clarín” y en diarios y revistas especializadas de Argentina, Brasil y Venezuela.

En la actualidad dirige la revista  Balletin Dance Didáctico “Compartiendo Ideas”, realiza asesorías técnicas a instituciones y dicta jornadas de actualización docente en el país y el exterior.

El 3 de Junio del 2009, el Consejo Argentino de la Danza le entregará una distinción como reconocimiento a su labor docente. 

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Granada.- Lara Misó vio a Maurice Bejart solo una vez, en Granada y apenas unos meses antes de la muerte del famoso coreógrafo. El Consejo Rector del Festival Internacional de Música y Danza de Granada acordaba concederle la medalla del Festival de 2007 en reconocimiento a su relevante trayectoria profesional y a su vinculación con el Festival, galardón que le fue entregado el 6 de julio de manos de su discípulo, el bailarín y coreógrafo Víctor Ullate. Bejart moriría en Lausana, a los 80 años, cuatro meses después.

Se reconocía así la labor de Béjart tanto en su faceta de coreógrafo, ya que sus creaciones han formado parte de la programación del Festival en numerosas ocasiones, como al frente de dos de las compañías de danza más importantes del panorama mundial que han visitado Granada bajo su dirección.

36 años después de la primera vez que Béjart asistió al Festival con su compañía de entonces, el 'Ballet du XX Siècle', este vanguardista de la danza regresaba a Granada con un estreno mundial y dos de sus más célebres creaciones, 'Bolero' y 'Juan y Teresa', que fueron llevadas a escena por la compañía 'Béjart Ballet Laussanne' aquel mes de julio en los Jardines del Generalife. Las tres coreografías representaban el trabajo "ecléctico e innovador" de Maurice Béjart quien en sus más de 50 años de profesión había creado unos 200 ballets.

La relación entre el certamen granadino y el coreógrafo francés se remonta a 1978, cuando el prestigioso 'Ballet du XX Siècle' se subía al antiguo escenario del Generalife para interpretar un programa compuesto por 'Petruchka', 'Gaité parisienne', 'Canciones de un compañero errante', 'Lo que el amor me dice' y 'Lo que la muerte me dice' aunque sus creaciones ya habían sido representadas en el Generalife por otras compañías en ediciones anteriores.

Pasarían 16 años antes de que el bailarín regresara al Festival aunque, en este caso, al frente del 'Béjart Ballet Lausanne,' una "reencarnación" del 'Ballet du XX Siècle'. En aquella ocasión la formación también ofreció dos actuaciones en los Jardines del Generalife donde presentó 'El arte del paso a dos' y 'El pájaro de fuego' con un notable éxito de público y de crítica.

Maurice Béjart (Marsella, 1927, Lausana 2007) debutó a los 18 años en el Teatro Municipal de Vichy y a continuación formó parte del 'Ballet de Roland Petip' y del 'Real Ballet Sueco'. En 1959 estrenó en Bruselas 'Le Sacre du printemps' interpretada por bailarines de tres formaciones diferentes que pasarían a formar la compañía 'Ballet du XX Siècle'. Durante 27 años, entre 1960 y 1987, Béjart "revolucionó el mundo de la danza" con espectáculos como 'Bolero', 'Canto del compañero errante' --creada para Nureyev--, 'Nijinski' --para Jorge Donn-- o 'Gaité parisienne' --para Víctor Ullate--.

En 1987 la compañía pasó a ser el 'Béjart Ballet de Lausanne' y en septiembre de 1992, después de quedar reducida a 20 bailarines, tomó el nombre de 'Ruda Ballet'. Actualmente vuelve a denominarse 'Béjart Ballet de Laussanne'.

COREOGRAFÍAS INSPIRADAS EN TEMAS ESPAÑOLES

Secundado por su "inseparable" y "formidable" equipo de bailarines del 'Béjart Ballet Lausanne', capitaneado por Gil Román, Béjart propone en Granada tres "excepcionales" coreografías inspiradas en temas españoles protagonizadas entre otros bailarines por tres primeras estrellas de la compañía desde hace años, los españoles Ruth Miró, Víctor Jiménez y Elisabet Ros.

La formación está integrada por 22 hombres y 14 mujeres de diversas procedencias, "algo que pone de manifiesto el interés del mítico bailarín francés por el espíritu cosmopolita y abierto a todo tipo de culturas".

Según recordó la organización Béjart escribió que sus ballets "son ante todo encuentros con la música, con la vida, con la muerte, con el amor, seres cuyo pasado y obra se reencarnan en mí, igual que el bailarín que ya no soy se reencarna una y otra vez en unos intérpretes que lo rebasan".

Fuente Granada Digital

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Comienza sus lecciones de danza a los ocho años en su ciudad natal de La Plata, y prontamente ingresa al Instituto Superior de Arte del Teatro Colón de Buenos Aires. Por su promedio diez (10) en la carrera de Danzas, gana una beca de perfeccionamiento en The School of American Ballet, donde permanece un año completo.-
Su carrera profesional la comienza en el año 1991 en el Teatro Argentino de La Plata, bajo la dirección artística de Esmeralda Agoglia.-
En julio de 1993, ingresa por concurso internacional al Teatro Colón de Buenos Aires, asumiendo los roles de Primer Bailarín. Elegido por el coreógrafo francés  Pierre Lacotte estrena “La Sylphide”.
En marzo de 1995, invitado por Anthony Dowel se une al  Royal Ballet de Londres, donde realiza una excelente carrera artística con proyección internacional.-
Como Principal Dancer  ha desarrollado un amplio repertorio: El lago de los Cisnes, Don Quijote, Bella Durmiente, Cascanueces,  Romeo y Julieta, Manon,  Winter Dreams,  Anastacia,  Sinfonietta, Scene de Ballet, Dances Concertantes, The judas tree,  New Bintley Ballet, Songs of the Earth, Giselle, Ondine, Serenade , Spartacus , Monotones,  Carmen, Remanso , Mozart , La fille malle gardee,  Raymonda, Eugene Onegin, La Sylphide,  The Bayedere, Le Corsaire, Paquita, Gloria Birthday Offering, Sinfonía en  C, The Lile garden, Gaitè Parisienne, Walpurgis Night, Valses, Suite en blanc, Coppelia,  Constancia,  La Pavanne para una infanta difunta, El Príncipe de las Pagodas, Tchaikovsky Pas de deux,  La Esmeralda, Sylvia, Rapsodia , Towards Poetry, El Combate,  Baile de Graduados, Ractime, Niño Brujo , Interplay, Bolero (Música: M. Ravel),  Pampeana , Destino  Buenos Aires (Tango), Tango en gris , Five Tango,  Apolo y sus Tías,  Games, Floralis, Pop (Música Fredy Mercury).

Su repertorio, si bien ha realizado mayormente obras de Sir Keneth Mac Millan y Frederick Ashton, se ha enriquecido con obras de George Balanchine, David Bintley, Pierre Lacotte, Natalia Makharova, Peter Right, Anthony Tudor, Nacho Duato, Vicente Nebrada, Christopher Wheeldon, Ashley Page, Hans Van Manen, Oscar Araiz, entre otros.

Como Principal Dancer es invitado a participar en los más importantes Festivales y Galas Internacionales:

World Ballet Festival, Tokio, Japon; Spoleto Festival 2006, I Miti della Danza, Italy, Ballet Gala Vanemuine, Estonia, Gran Gala D´ Estrelles de la dansa, Andorra, Galas des Etoiles de Montreal, Canadá; Vail International Dance Festival,  Colorado, USA; Gala de Estrellas en Ohio, USA; Festival Internacional de Ballet de Edimburgo, Escocia, 10º Festival Internacional de Ballet de Tokio, Japón; Hampton Court Festival, Londres, Inglaterra; Festival Internacional de  Ballet de Cremona, Italia;  Galas de Estrellas del Siglo XXI , Paris, Francia; Gala de Estrellas en el  Teatro Camoes de  Lisboa, Portugal; Gala de Estrellas Contemporáneas, Madrid, España; Gala Tributo a Rudolf Nureyev en la  Scalla de Milan, Italia; Festival Internacional de Ballet de Miami, USA;  Festival Internacional de Ballet de La Habana, Cuba.-

En su larga carrera ha bailado en los escenario internacionales más importantes:  Covent Garden, Royal Opera House, Metropolitan Opera House de New York, Teatro Bolshoi de Moscú, Teatro Mariinski (ex Kirov) de Lenningrado; Alla Scalla de Milan, Metropolitan Opera House de  Nueva York, Teatro Colón, Teatro Nacional de Cuba; Teatro de la Arena de Verona; N.K Hall de Japón; Teatro Real de Madrid, España; Gerald Ford Amphitheatre de Denver,  Aronoff Theatre de Cincinnatti, Ohio; Partenón de Grecia; Grecia; Washington Opera, Estados Unidos; Piazza Duomo de  Spoletto, Italia; Teatro Les Champees Elysees de París, Francia; Jackie Gleason de Miami, Estados Unidos; Teatro Camoes, Lisboa, Portugal, entre otros.

Es elegido por B.M.G para grabar en Filadelfia, Estados Unidos, el video “El Día Que Me Quieras” junto a Michael Bolton y Raul di Blasio.-

En 2003, paralelamente a su carrera como Principal Dancer ha incursionado en la actividad coreográfica, creando obras que han recibido excelente críticas de prensa y se han presentado en Festivales Internacionales: “Sylvia” con música de  Delibes, “Floralis” con música de Prokofiev; “Danzaria” con música de Vivaldi; “Constanza” con musica de Chopin. Sus obras han sido presentadas con mucho éxito en el Teatro Colon de Buenos Aires, Teatro Solís de Montevideo, Vail International Dance Festival y en la Gala de Estrellas de Montreal.

En el año 2006, es la figura elegida para cerrar la temporada de danza en el Teatro Colon de Buenos Aires hasta su reapertura en el bicentenario (año 2008).

En Agosto de 2007, invitado por Marcia Haydee, participa de la Gran Gala 150 años por el aniversario del Teatro Municipal de Santiago de Chile.

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